NUESTROS CÓMPLICES:

miércoles, 15 de noviembre de 2017

NADIA REID: AUTOCONOCIMIENTO Y SUPERACIÓN.


A veces nos gusta guardarnos algún disco solamente para nosotros y no escribir ninguna reseña sobre él o aplazarla lo más posible. Pero desde que hacemos la lista de los mejores discos del año es inútil guardarnos nada. Porque todo acaba saliendo. Aunque hace meses que podríamos haber hablado de NADIA REID y PRESERVATION y nos la hemos guardado casi para el final para que siguiese siendo solo nuestra por un poquito más de tiempo.
NADIA REID es una cantante y compositora neozelandesa que debutó en el 2015 con el excelente Listen To Formation, Look For The Signs, en el que ya se atisbaba que podría darnos algo muy grande en un futuro próximo que se ha hecho realidad con PRESERVATION.
Podríamos definir este segundo álbum como la materialización de un proceso interior de aceptación, superación y florecimiento de su autora. Y es que como bien dice la propia Nadia Reid hace falta conocerse bien a uno mismo para escribir según que canciones. Y en ese sentido podemos afirmar que PRESERVATION es como una terapia curativa que ha ayudado a su autora durante su proceso de creación y que probablemente pueda ayudarnos a nosotros con sucesivas escuchas. Porque os podemos asegurar que tenemos una visión mucho más positiva de las cosas con PRESERVATION sonando de fondo.




Cuenta en su biografía que ha necesitado moverse mucho por la riqueza paisajística de su Nueva Zelanda natal para la composición de estas canciones, y esa sensación de constante movimiento también está presente en su música con esos arrebatadores tonos de su voz perfectamente modulada y acompañada por su guitarra. El productor Ben Edwards y el guitarrista Sam Taylor merecen ser nombrados porque han sabido captar la esencia de la música de Reid y potenciarla. Para ello, no se ha recurrido a ningún tipo de artificio. Solamente se ha usado la verdad.
A los críticos este álbum les ha gustado mucho y tiene un promedio de cuatro estrellas sobre cinco. Para nosotros es un claro cinco estrellas.




Ya dijimos anteriormente que todo el mundo se guarda las cinco estrellas bajo la manga y las reserva para un disco que realmente lo merezca y muchas veces esas cinco estrellas se apagan en esa manga porque ese disco nunca llega. PRESERVATION es ese disco al que soltarle las cinco estrellas, los sobresalientes y hacerle la ola si es necesario.
Otros años a estas fechas teníamos muy claro el Top10 de nuestra lista, incluso sabíamos cual era el mejor disco del año. Este año aún no sabemos absolutamente nada. Estamos enterrados entre mil notas. PRESERVATION debería estar entre los cinco primeros. Pero tampoco podríamos garantizarlo.
Mientras tanto, ni que decir tiene que esto es una recomendación vital por nuestra parte. Porque lo que ha hecho la señora Nadia Reid con PRESERVATION es mucho más que un simple disco.



lunes, 13 de noviembre de 2017

THE CLIENTELE Y SU MÚSICA PARA LA EDAD DE LOS MILAGROS.


THE CLIENTELE es una banda británica con dos décadas en la música y seis álbumes de estudio sobre sus espaldas que nos ha sorprendido muchísimo gracias a su séptimo y último trabajo MUSIC FOR THE AGE OF MIRACLES que se editó el pasado 22 de Septiembre. La particularidad de THE CLIENTELE es que para ser una banda británica, funciona bastante mejor en U.S.A. que en Europa. Y sinceramente, deberíamos hacer algo para que eso cambiara. Sirva esta reseña como nuestro granito de arena.
THE CLIENTELE está etiquetada como una banda pop indie, y creemos que a partir de ahora deberíamos acuñar una nueva etiqueta únicamente para usarla nosotros en EXQUISITECES de manera casera, tal y como: "indie del bueno" que es al tipo de indie al que pertenecería este trabajo. Porque la música indie está generando últimamente tal cantidad de basura que no damos crédito (ni abasto a la hora de escuchar los discos). Llegados a este punto podemos afirmar que el término indie se ha convertido en un auténtico coladero.



Este trabajo de THE CLIENTELE no es el típico indie clonado con dos guitarras, cuatro voces susurrantes y todos esos elementos trillados que estamos cansados de escuchar. No. Es algo más elaborado como crear atmósferas envolventes y capas que te trasladan a no sabes bien dónde, por ese toque retro que recuerda a los viejos discos de Belle & Sebastian
A la crítica le ha gustado bastante y tiene un promedio de cuatro estrellas sobre cinco. Para nosotros también sería un cuatro estrellas por eso de que siempre nos guardamos las cinco esperando algo mejor (que nunca llega). Es un disco que funciona muy bien como álbum, excelentemente cohesionado y los cortes se siguen a la perfección manteniendo el tono, sin que haya ningún momento de bajón a pesar de sus tres bellísimos interludios a piano. Nosotros lo recomendamos encarecidamente desde aquí.


viernes, 10 de noviembre de 2017

LA SUTILEZA DE BIG THIEF.



Hace tiempo que teníamos ganas de hablar de CAPACITY el segundo álbum de estudio de BIG THIEF, la banda neoyorquina liderada por Adrianne Lenker. Y cómo ya estamos cerrando el año queríamos dejar constancia de que es un disco que merece la pena ser escuchado. Es cierto que posee esa pátina indie en su sonido para lo bueno y lo malo. Pero la voz de Lenker, sus letras -Porque compositivamente alcanza cotas bastante altas- y esa atmósfera envolvente e íntima que crea para el que los escucha, hace que obviemos todos esos lugares comunes de la música indie contemporánea.




BIG THIEF debutó con Masterpiece (2016) y todos los críticos han coincidido en que CAPACITY es una progresión que mejora aquel debut. De hecho, tiene un promedio de unas cuatro estrellas de cinco por parte de los críticos. Aunque ya sabemos del doble rasero de los críticos para la música indie. Porque lo que nadie dice es que esto ya lo hacía una banda olvidada llamada Veruca Salt allá por los 90. Creemos que los críticos deberían desempolvar los discos de Veruca Salt y convertirlos en varas de medir. Porque en ellos encontrarán la fórmula de la música indie de los últimos 20 años. Mucho nos tememos que desde entonces, nada nuevo bajo el sol y si a eso se le suma que la gente tiene muy mala memoria, esa puede que sea una de las razones por las que cada vez que nos enfrentemos a un disco indie parece que nos sumergimos en la película de "El día de la marmota".
Eso sí, nunca digáis esto en público porque os pueden tratar como apestados, ya que no es nada cool exponer las carencias de la música indie. Aún así, BIG THIEF es de lo mejorcito del género y lo recomendamos no solamente a nuestros lectores más voluntariosos.







miércoles, 8 de noviembre de 2017

EL REGRESO DE ANGUS & JULIA STONE.


ANGUS & JULIA STONE es un dúo australiano compuesto por dos hermanos y viejos amigos de EXQUISITECES, ya que nos regalaron grandes momentos con sus primeros álbumes, que quedaron impresos en nuestras páginas. No hablábamos de ellos desde la publicación de su álbum homónimo producido por Rick Rubin en 2014. Ahora vuelven con SNOW, su cuarto álbum de estudio como dúo y ellos mismos se encargan de la producción musical y la creación de los doce cortes del disco.
El resultado es otro magnífico disco de ANGUS & JULIA STONE con la particularidad de que probablemente sea el más luminoso, alegre y colorista de todos. A pesar de que paradójicamente un título como SNOW (Nieve) no hiciera presagiar tal cosa. 
En este trabajo, mantienen esa inocencia de sus primeros trabajos. Ese punto naíf que Julia aporta en algunos de sus coros. Probablemente SNOW no sea el mejor de todos los álbumes que tienen. Pero sí es ese álbum en el que han querido ser ellos mismos por encima de todas las cosas y esa es una máxima que se palpa en cada corte. 





ANGUS Y JULIA STONE siempre han sido muy mimados por la crítica, pero esta vez parece que no han convencido a todo el mundo y aunque la mayoría son buenas, al que no le ha gustado, no le ha gustado nada. El promedio es de cuatro estrellas sobre cinco con disparidades como las dos estrellas de The Irish Times o las casi cinco de The Rolling Stone.
Comercialmente, ha alcanzado el Top10 en varios países y aunque en España los ubiquemos entre la música indie, los índices de ventas de este dúo suele equipararse al de otros productos mainstream. Quizás su proceso de ventas sea un poco más lento, pero su resultado final suele ser igual de bueno.
A nosotros nos parece un disco bastante digno, incluso de lo mejor que hemos escuchado si se compara con todo lo que ha sonado este 2017. Pero si lo comparamos con otros discos de ANGUS & JULIA STONE quizás salga perdiendo, porque algunas canciones de SNOW poseen una inmediatez perecedera. Muy lejos de poder dejar el poso que dejaron sus viejas canciones.



lunes, 6 de noviembre de 2017

MARGO PRICE SE CONFIRMA.


El pasado 20 de Octubre se publicaba ALL AMERICAN MADE el segundo trabajo de MARGO PRICE repitiendo con el equipo de producción -Matt Ross Spang y Alex Munoz- de su aclamadísimo álbum debut Midwest Farmer's Daughter (2016). Recordemos que este trabajo apareció en los primeros puestos de todas las listas de los mejores discos del año pasado, aunque fue uno de los grandes olvidados en el apartado "premios".
A nosotros nos parece vertiginoso que no haya pasado ni un año y ya tenga un segundo disco en la calle y que, además, este nuevo trabajo esté a la altura o incluso sea superior a un álbum que ya forma parte de la historia del Country. Porque la crítica ha vuelto a puntuar muy alto ALL AMERICAN MADE tal y como hicieron con Midwest Farmer's Daughter




Y es muy probable que volvamos a ver a la Price en el top de las listas de lo mejor de este año. Incluso, este sea el momento de subsanar el error del año pasado en cuanto a los premios, y que acapare un buen puñado de nominaciones a los Premios de la Música Country, a los Grammy y a cualquier gala musical en la que se abra un sobre.
MARGO PRICE repetirá en nuestra lista de este año con ALL AMERICAN MAD. No sabemos aún la posición. El año pasado quedó en un puesto Nº33, a pesar de que fue Top3 en muchas otras listas importantes. Nosotros tampoco quisimos sobrevalorarlo. Porque es cierto que los dos discos de Margo Price son muy buenos, pero si recogiésemos el entusiasmo de los críticos y lo hicieramos nuestro, más de un lector nos diría aquello tan temido de: "Pues no es para tanto", por eso preferimos ser moderados con nuestras opiniones y no generar expectativas. Al fin y al cabo, nosotros recomendamos y es el lector quien elige. En cualquier caso, MARGO PRICE es un gran ejemplo de lo muchísimo que la mujer tiene que aportar a la música todavía y una de las nuevas voces del Country con mayor proyección y estabilidad.



viernes, 3 de noviembre de 2017

EL ÉXITO SEGURO DE SAM SMITH.



Tenemos que reconocer que la primera vez que hablamos de SAM SMITH fuimos bastante cínicos con él porque no podíamos entender que ese rollo suyo llorón, digno de un cantante recién salido de un Talent Show hubiera arrasado en el BBC Sound Of 2014. Nos parecía una versión masculina de Adele. Hasta desarrollamos la absurda teoría de que Adele y él eran la misma persona. 
Luego, escuchamos In The Lonely Hour (2014) por donde quiera que íbamos y después llegaron los Grammy. Su éxito planetario fue suficiente para taparnos la boca y reconocer que nos comportamos como unos auténticos snobs. Porque era bastante mejor de lo que dijimos.
A estas alturas de la película,  no necesita que presentemos aquí THE THRILL OF IT ALL porque independientemente de las tres estrellas miserables que le ha obsequiado The Guardian, que se han puesto igual de cínicos y snobs con él que nosotros en su día, esto va a ser un éxito brutal. Va a superar con creces su álbum anterior que ya fue multiplatino y multipremiado. Porque cada canción está estratégicamente estudiada para ser un hit. 





Este álbum cuenta con unos ocho productores distintos entre los que se encuentra Timbaland que se convirtió en el productor de moda de la pasada década y en el presente se estaba quemando en la serie de Televisión Empire.
El disco se presenta en dos ediciones, la estándar con diez cortes y la Special Edition que cuenta con cuatro cortes más y merece la pena. Quizás se le echará en cara a este trabajo que es un producto mainstream hecho para complacer al público y vender el mayor número posible de copias. Y eso es cierto, pero para bien. Porque ya sabéis que hay un doble rasero con estos trabajos y otros indies. Y os aseguramos que no todo lo indie es bueno solo por ser indie. Resulta realmente obscena la cantidad de basura indie que llegamos a escuchar al cabo del año. Pero lo fácil es poner a parir a gente como Sam Smith, Lady Gaga o Miley Cyrus únicamente porque están más expuestos.
Si In The Lonely Hour (2014) te convenció, THE THRILL OF IT ALL es una perfecta continuación que va a dar tanta o más guerra que su antecesor. ¡No seáis snobs y prestadle una escucha!

jueves, 2 de noviembre de 2017

JULIEN BAKER: BELLEZA INDÓMITA.


A pesar de que JULIEN BAKER solo lleva en activo desde el 2014 y TURN OUT THE LIGHTS es su segundo trabajo, ha tenido tiempo de hacerse conocida en el ámbito indie teloneando a personalidades como Conor Oberst o bandas como The Decemberists, Belle & Sebastian o Death Cab For Cuttie
Baker es de Memphis y solamente tiene 22 años. Pertenece a esta nueva generación de intérpretes y compositoras millennials en la que también destaca Phoebe Bridgers. Se puede decir que estas dos cantautoras tienen una manera similar de entender y vivir la música con la calma de la honestidad y la verdad de sus letras.



Al tratarse de un disco indie que salió el pasado 27 de Octubre no tenemos una idea demasiado concreta de lo que la crítica ha dicho de este trabajo. Entre otras cosas porque muchos medios importantes no se han pronunciado. Se trata de un trabajo intimista, muy pequeñito en el que Baker recibió la ayuda de su amigo Cameron -Sorority Noise- Boucher  para la producción.
Es cierto que puede resultar monótono en algunos tramos si no entiendes las letras, y que se ajusta a esa nueva tendencia indie de los millennials de disco susurrado al oído y un tanto triste. Pero posee una belleza indómita. Es como un diamante en bruto que no necesita ser pulido porque sus imperfecciones son preciosas. Lo recomendamos desde aquí.



lunes, 30 de octubre de 2017

CARLY PEARCE... RECORDAD SU NOMBRE.


Una de las grandes revelaciones del Country del 2017 se llama CARLY PEARCE, una cantante y compositora de Kentucky que lleva desde los 16 años sobre las tablas de Nashville y después de algún que otro obstáculo en su carrera, por fin ha conseguido a los 27 años firmar con una major como Big Machine en solitario y que su disco se haya convertido en uno de los grandes éxitos de la temporada. Un éxito que huele a premios Grammy, de lejos.
El camino hacia el estrellato comenzó el año pasado con su colaboración en una canción de Josh Abbott Band titulada Wasn't That Drunk en la que Pearce brillaba como vocalista invitada. Pronto, la llamarían de Big Machine y pondría a su disposición todo el material -compuesto por ella misma, en su mayoría- para este primer largo titulado EVERY LITTLE THING. 




¿Qué tienen las canciones de CARLY PEARCE para que nos hayamos fijado en ella?
Hace unos días reseñamos el regreso de Shania Twain, un referente para todas estas jóvenes artistas. Y no es ningún secreto que solamente fue una excusa para hablar de la Twain. Porque a pesar de contar con una producción muy vanguardista, el disco hacía aguas por todos lados. Sus canciones no enganchaban, carecían de esa garra que tenían sus canciones de los 90. Aún así, Twain sigue siendo una gran vendedora de discos. Porque las ventas de su Now están siendo mucho mejores de lo que cabía esperar.
En EVERY LITTLE THINGS de CARLY PEARCE puede que la producción de Busbee sea menos sofisticada que la que hicieron para Twain, pero es bastante más efectiva y todas las canciones enganchan y poseen esa garra de la que hablábamos antes. Por eso nos gusta CARLY PEARCE. También tenemos que decir que este disco no es tan completo como el disco de Maren Morris del año pasado que coqueteaba con otros muchos géneros además del Country. EVERY LITTLE THINGS es Country popular, del que vende discos en medio planeta y arrasa en los Grammy en la categoría de Country. Recuerda mucho a los mejores álbumes de Faith Hill de la que pronto tendremos noticias. 


viernes, 27 de octubre de 2017

PHOEBE BRIDGERS: LA GRAN REVELACIÓN DEL AÑO.


PHOEBE BRIDGERS tiene uno de los debuts más prometedores del 2017. Con tan solo 22 años nos ha regalado toda una experiencia con STRANGER IN THE ALPS. Un álbum en el que esta cantautora de Los Angeles se muestra tal y como es, según ha declarado, y su honestidad y verdad se convierten en dos de sus mejores armas para engancharnos y cautivarnos.
Antes de grabar este largo, Bridgers despuntó el año pasado con el single Killer producido por Ryan Adams que también está incluido en este trabajo. Aunque los productores oficiales del disco sean Tom Berg y Ethan Gruska.
Es cierto que cuando te dedicas a escuchar música todo guarda relación y muchas cosas no ocurren por casualidad. Escuchando algunos cortes de Bridgers se nos venía a la cabeza un cierto parecido con nuestra queridísima Aimee Mann en algunos momentos y mirando nuestra documentación del productor Tom Berg, hemos encontrado que también trabajó con Aimee Mann en sus inicios.


STRANGER IN THE ALPS ha sido un trabajo muy bien valorado por la crítica con un promedio de cuatro estrellas y media sobre cinco y seguramente entrará en las listas de lo mejor del año. Esa extraña mezcla de fragilidad y madurez que tienen sus canciones pueden desarmar a cualquiera. Nosotros desde que lo hemos escuchado no podemos sacárnoslo de nuestra piel y es más que probable que también ocupe un puesto destacado en nuestra lista.


En España parece que STRANGER IN THE ALPS ha pasado un poco desapercibido desde que se editara el pasado 22 de Septiembre, resultaba más fácil encontrar su edición en vinilo. Porque es de esos discos que cuando te gustan, los quieres tener en CD y tambiñen en Vinilo. A pesar de que se trata de una única edición con diez cortes en la que no sobra, ni falta absolutamente nada.
Nosotros lo recomendamos vehemente y encarecidamente desde aquí y amenazamos con ponernos muy pesados con Phoebe Bridgers hasta que todo el mundo sepa quien es.


lunes, 23 de octubre de 2017

NUESTRA CUARTA PLAYLIST...


Es el momento de NUESTRA CUARTA PLAYLIST en la que repasamos algunas de las mejores canciones de las novedades que hemos reseñado últimamente, antes de sumergirnos en la recta final del año a la búsqueda de los mejores álbumes del 2017.

Esperamos que os guste...











RECAPITULEMOS...

OTRAS PLAYLISTS DISPONIBLES:

NUESTRA PRIMERA PLAYLIST

NUESTRA SEGUNDA PLAYLIST

NUESTRA TERCERA PLAYLISTS

CANCIONES 1-10

CANCIONES 11-15

CANCIONES 16-20

ELLAS

ELLAS 2ª PARTE

ELLAS 3ª PARTE

CANCIONES PARA EL DÍA DEL ORGULLO


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viernes, 20 de octubre de 2017

EL MEJOR NEWTON FAULKNER.


No hablábamos de NEWTON FAULKNER desde que editó Write It On Your Skin (2012), su tercer álbum de estudio. Desde entonces, ha publicado tres álbumes más. Os preguntaréis por qué no hemos comentado los dos anteriores. Sencillamente porque solo podemos reseñar un máximo de tres discos a la semana, aunque escuchemos prácticamente toda la producción anual. Además, en el caso de Faulkner tampoco íbamos a añadir nada nuevo, porque es un artista muy fiel a su estilo y desde su debut, ha tenido un sonido propio muy definido, ligado a su personalísima voz y manera de rasgar las cuerdas.
Hoy nos centraremos en su último lanzamiento HIT THE GROUND RUNNING. Uno de sus trabajos más souleros y un tanto desprovisto de las reminiscencias nostálgicas de sus primeros álbumes que nos recordaban al grandísimo Jeff Lynne y que tanto nos gustaban.
Este trabajo se posicionó en el puesto Nº13 de la lista británica nada más salir, mejorando mucho el puesto Nº41 de Human Love su álbum anterior del 2015. Parece que los tiempos de acaparar los primeros puestos de esa misma lista pasaron a la historia. Pero no por falta de calidad en sus propuestas. Ese es el estigma de cualquier músico que lleve diez años en la escena y tenga más de cinco discos publicados. De hecho, HIT THE GROUND RUNNING ha gustado mucho a los pocos críticos que lo han reseñado.
Renowned Of Sounds le ha otorgado nada menos que cuatro estrellas y media sobre cinco, e imaginamos que este álbum terminará su periplo con una media de cuatro estrellas sobre cinco, cuando todos los críticos se hayan pronunciado.
NEWTON FAULKNER siempre nos ha parecido muy interesante y es cierto que HIT THE GROUND RUNNING es su mejor trabajo desde Write It On Your Skin (2012). Recientemente ha declarado que está muy contento con la producción de este sexto disco y que le gustaría que todos sus álbumes futuros sonasen así a partir de ahora.
A nosotros siempre nos ha fascinado su sonido, ya hemos dicho anteriormente que Faulkner es de esos artistas que escuchas un segundo de su voz o de un sonido de cuerda y enseguida lo identificas, tiene muchísima impronta en cada cosa que hace y, sinceramente, está teniendo una carrera demasiado discreta para lo bueno que es.
Nosotros tendremos muy en cuenta HIT THE GROUND RUNNING para nuestra lista de los mejores álbumes del 2017.







miércoles, 18 de octubre de 2017

¿CONOCES A WILDWOOD KIN?


WILDWOOD KIN es un trío británico formado por las hermanas Beth y Emmillie Key y la prima de ambas Meghann Loney, que después de curtirse en las tablas de mil festivales, haber grabado algún Ep e incluso haber conseguido nominaciones para los premios folk de la emisora BBC Radio 2, este año han dado el salto y por fin han publicado el largo TURNING TIDES
Somos el primer blog en castellano que habla de estas chicas que por no tener, no tienen ni ficha en Wikipedia. Unas completas desconocidas fuera del Reino Unido.
Aunque muchos las han comparado con nuestras queridas Haim es cierto que maman de las mismas influencias, como los omnipresentes Fleetwood Mac. Pero creemos que solamente se parecen en que son tres chicas con parentesco familiar entre ellas. Porque Wildwood Kin ha enfocado su carrera hacia el Folk y Haim son mucho más versátiles. 
Esas guitarras de Warrior Daughter suenan muy a lo Mumford & Son otra de las influencias confesas de estas chicas, junto a Bob Dylan.


A nosotros nos han recordado a muchos otras bandas de chicas como Wilson Phillips o incluso a Clannad en los temas más folkies a pesar de que Clannad eran irlandeses y Wildwood Kin son de Exeter (UK).
Sobre lo que han dicho los críticos de este disco, nos tememos que ha pasado un tanto inadvertido para los medios importantes. Ya dijimos que es un trío y un trabajo completamente desconocido. Nosotros lo puntuaríamos con tres estrellas y media sobre cinco, que no está nada mal. Le falta media estrella para las cuatro, porque posee algunos lugares comunes ya transitados por otras bandas similares y en su conjunto nos resulta poco novedoso.
Quizás no sea un disco para figurar entre los primeros puestos de los mejores del año pero no siempre vamos a hablar de álbumes merecedores de esa posición. También hay álbumes pequeñitos que nos gusta mostrar a nuestro público por el simple hecho de que si no hablamos nosotros de esos álbumes, nadie lo va a hacer y son trabajos bastante dignos que tampoco merecen ser condenados al ostracismo gratuitamente.




lunes, 16 de octubre de 2017

BECK REINA TAMBIÉN EN EL SIGLO XXI.



Después de adelantos tan interesantes como los vídeos que hemos colgado de Dear Life y Up All Night y otras canciones como Wow o Colors que también están disponibles en Youtube, teníamos muchas ganas de que COLORS, el nuevo trabajo de BECK cayera en nuestras manos.
Pocos pueden presumir de tener una carrera tan sumamente ecléctica porque siempre hemos dicho que ningún álbum de Beck suele parecerse a otro, excepto la dicotomía intencionada Sea Of Change (2002) - Morning Phase (2014) que nos traía justo al Beck que más nos gusta.
¿Dónde encuadraríamos COLORS en su discografía?
COLORS es un álbum que reivindica viejos sonidos de los ochenta mezclados con algo de psicodelia, aunque algunos usan la etiqueta de pop experimental para definirlo, con toda la carga negativa de la palabra "experimental". Nosotros no estamos nada de acuerdo. O en tal caso, liberaríamos esa carga negativa. Porque los cortes de este disco no solamente son bastante audibles. Te atrapan desde la primera escucha, se te quedan pegados a la piel e incluso te hacen recordar a Bowie en momentos muy puntuales.



COLORS probablemente sea el álbum más alegre y luminoso de BECK con permiso de otros álbumes como Midnite Vultures (1999) o Guero (2005) que también destacan por ser álbumes coloristas. Los críticos han puntuado este trabajo con una media de cuatro estrellas sobre cinco y, sinceramente, lo entendemos. Porque si BECK tiene algo bueno es que ha sabido adaptarse a los nuevos tiempos sin renunciar a ser él mismo y es absolutamente genial que un músico que publica su álbum decimotercero consiga el sonido de COLORS, que es un álbum capaz de mantener al público que ya tiene y conquistar a otro público unos veinte años más joven. Hoy día esa es la clave del éxito: la regeneración de tus seguidores y BECK lo consigue una vez más.
Se ha dicho también que BECK ha sido el niño mimado de la crítica todos estos años porque sus discos siempre han sido calificados entre la genialidad y la excelencia. Algunos de nuestros lectores nos lo echaron en cara cuando proclamamos que Morning Phase era el mejor álbum del 2014, y nos sugirieron que las críticas a ese y otros álbumes de su discografía estaban un tanto hinchadas. Porque no consideraban que BECK fuera ni la mitad de bueno de lo que se ha dicho. Nosotros estamos totalmente en desacuerdo y hablamos desde nuestro propio criterio a la hora de puntuar discos. BECK podría salir perdiendo la mayoría de las veces si sus discos no estuvieran a la altura de las (enormes) expectativas que genera. No sabemos cómo lo hace. Pero siempre alcanza esas expectativas o las supera. Y nuestras críticas positivas son la consecuencia de ese hecho.





viernes, 13 de octubre de 2017

LA COMPLICIDAD DE COURTNEY BARNETT & KURT VILE.



Hace un mes que conocimos Over Everything,  el adelanto de LOTA SEA LICE de COURTNEY BARNETT y KURT VILE y estábamos deseando de que saliese el álbum para escuchar mucho más porque nuestro último recuerdo de las carreras de ambos por separado fueron dos discos importantes en el 2015, aclamados por la crítica indie que nosotros recogimos AQUÍ y AQUÍ.
La primera decepción es que el dúo se suma a la nueva moda de los discos de nueve cortes. No diez, ni once... ¡Nueve! Lo que quiere decir que tendréis que escucharlo en bucle unas cuantas veces para no tener la sensación de que termina justo en lo mejor y que os habéis quedado a medias.
A nosotros los discos de colaboraciones que más nos gustan son aquellos en los que existe una distancia diametral entre sus componentes y aún así, saben encontrar un punto en común y darnos una lección de buena música a todos.
En este caso, Barnett y Vile están hechos el uno para el otro. Los dos hablan exactamente el mismo lenguaje y no existe ninguna sorpresa en el resultado, no nos dan ninguna master class, ni tampoco lo pretenden. Algo que sí ocurría con otros discos de colaboraciones del año pasado -Love Letter To Fire de Bean/Hoop o Case/Lang/Veirs por citar un par de ejemplos muy celebrados en este blog- Con esto, tampoco queremos desmerecer este trabajo que posee una frescura innata, derivada de la gran complicidad de sus dos autores.




Y la gran pregunta que se suele hacer cuando se está ante un disco de colaboraciones es... ¿Quien de los dos artistas se ha llevado el disco a su terreno? -y en algunas ocasiones hasta "el gato al agua"-
Y en este caso, la respuesta es: Courtney Barnett. Este disco es mucho más Barnett que Vile aunque lo firmen los dos. Para Kurt Vile este trabajo es un paréntesis en su carrera. En cambió si que guarda cierta continuidad con el disco debut de Courtney Barnett.
A nosotros este trabajo nos ha dejado un poco fríos, no es que nos parezca un disco malo, que por supuesto no lo es. Es bastante bueno. Pero nuestras expectativas estaban muy altas tratándose de ellos y esperábamos mucho más. Error nuestro, porque como decíamos anteriormente, se nota que se lo están pasando muy bien tocando y componiendo juntos sin ningunas aspiraciones a crear el discazo del año o a tomarse demasiado en serio a ellos mismos.
En diciembre desvelaremos si nos ha acabado encantando con sucesivas escuchas y si lo tendremos en cuenta para nuestra lista de lo mejor del 2017.







miércoles, 11 de octubre de 2017

JP. COOPER APUNTA MUY ALTO.



Qué sería de nosotros sin estos maravillosos intérpretes y compositores británicos que hacen historia cada vez que graban un álbum... Hoy le toca el turno a John Paul Cooper, o mejor JP. COOPER tal y como ha firmado su álbum debut RAISED UNDER GREY SKIES que se editó por fin la semana pasada.
JP. COOPER ha estado trabajando los dos últimos años en sus canciones, que se han ido lanzando poco a poco y, concretamente, September Song ha funcionado muy bien en listas y se ha vendido mucho mejor, certificando el platino en UK y Suecia y el Oro en Bélgica y Canadá. Y como suele ser habitual en el mercado británico últimamente, los discos debut no parecen discos debut. Más bien parecen discos de grandes éxitos de un artista consagrado. Algo que por un lado es muy bueno, porque todos estos artistas nos están dando auténticas pequeñas obras maestras del pop contemporáneo. Pero por el otro... Algunos se están quedando vacíos de cara al segundo o tercer disco. Y luego vienen los parones como le ocurrió a Adele o Sam Smith. Porque este chico pretende jugar en la misma liga que ellos.




Concretamente RAISED UNDER GREY SKIES cuenta nada menos que con trece productores distintos y algunos cortes del disco, se puede decir que están sobre-producidos. De hecho, no nos gusta demasiado la producción para la versión principal de September Song del disco. Nos gusta mucho más la del vídeo que os hemos enlazado o la de su versión acústica, que incluye la edición Deluxe del disco con veinte cortes.
Antes hemos nombrado a Sam Smith y es que JP. COOPER también viene con ánimos para renovar el Soul con su gran voz. Sin todos estos artistas británicos que aportan un gusto excelente a la hora de componer y, sobre todo, interpretar cada una de sus canciones, el Soul o Neo Soul no estaría viviendo su mejor momento. Además, Smith y Cooper comparten uno de los productores determinantes dentro del género: Ben Ash; más conocido como Two Inch Punch.




Sinceramente RAISED UNDER GREY SKIES es una apuesta muy ambiciosa. Y no deja de ser una apuesta que puede resultar ganadora y conseguir grandes ventas y premios, emulando a los artistas ya citados. Pero también podría fracasar y nunca volveríamos a saber nada más de JP. COOPER.  Depende en gran medida de la recepción del público que empieza a identificar a demasiados cantantes en este tipo de géneros. Nosotros creemos que el disco está hecho para vender copias y que le guste a todo el mundo y de cara a ser premiado, solo tiene un claro competidor: Rag 'N' Bone Man -También producido por Two Inch Punch- que tal y como le ha ido el año, se perfila como uno de los ganadores del 2017 en el panorama mainstream.  La ventaja de JP. COOPER es que haber editado en Octubre garantiza a este RAISED UNDER GREY SKIES que suene bastante durante el 2018 y que incluso opte a premios el año que viene, si antes de su edición ya se han cerrado las listas de candidatos a premios de este año.
Nosotros es un disco que recomendaríamos a todas aquellas personas que vibran con Adele, Sam Smith o Rag 'N' Bone Man. Y lo tenemos muy en cuenta para nuestra lista de los 100 mejores discos del 2017.


lunes, 9 de octubre de 2017

JAMIE LAWSON Y LOS ACCIDENTES FELICES.



Teníamos muchas ganas que llegase el momento en el que JAMIE LAWSON volviera a la carga con un nuevo trabajo y el pasado 29 de Septiembre veía la luz HAPPY ACCIDENTS, en un fin de semana repleto de novedades muy esperadas como el retorno de Shania Twain o el nuevo trabajo de Miley Cyrus que eclipsaron injustamente, de cara a los medios, este nuevo álbum de Lawson que es igual de bueno o incluso mejor que su álbum homónimo del 2015 del que fuimos los primeros en hablar.
La figura de Ed Sheeran, amigo y mecenas de Lawson sigue estando muy presente en este segundo trabajo. Sheeran sabe que cualquier vídeo que publica en Youtube obtiene millones de visitas, por eso grabaron juntos una versión acústica del single de presentación de Jamie Lawson Can't See Stright, porque muchas veces no hay mejor promoción que ir de la mano del artista del momento. 
Y seamos honestos... Sin desmerecer Divide de Ed Sheeran, nos gusta muchísimo más HAPPY ACCIDENTS de JAMIE LAWSON, aunque no creemos que las canciones de este trabajo vayan a sonar en medio planeta como las de Sheeran y no por falta de calidad. Sheeran es el cantante de moda de los Millennials. El público de Lawson es adulto. Probablemente, los papás de los Millennials.
Uno de los grandes retos de este trabajo cuya edición Deluxe tiene nada menos que dieciséis cortes, es que todo el material es nuevo. Porque recordemos que Lawson había publicado un par de álbumes antes de su álbum homónimo del 2015 que contenía una brillante selección de las mejores canciones de esos trabajos. Un auténtico discazo que relanzó su carrera tal y como se esperaba.



En esta ocasión, son canciones completamente nuevas escritas para este "segundo" trabajo y el resultado es mejor que bueno. Tampoco es que asuma grandes riesgos con respecto a su trabajo anterior, pero es que no necesita asumirlos. Él consiguió un sonido acústico muy reconocible. Su propio sonido, desde su primer trabajo. Es una idiotez cambiar algo que está bien. De hecho, uno de los errores más típicos que se cometen cuando se cuenta con una producción más cara que la que se tenía para trabajos previos, consiste en visibilizar ese dinero recargando y sobre-produciendo. Lawson no comete ese error. Sus canciones siguen sonando como siempre, quizás cuenta con más instrumentos y apoyo vocal que antes, pero no hace ostentación de ello. Todos los sonidos fluyen en perfecto equilibrio.
No tenemos muchos datos de los críticos. Los más "importantes" no se han molestado ni en opinar sobre el disco, así que tendréis que confiar en nosotros cuando os decimos que es un cuatro estrellas sobre cinco. Nosotros lo recomendamos desde aquí y empezamos a tenerlo en cuenta para nuestra lista de lo mejor del 2017.





miércoles, 4 de octubre de 2017

HASTA LA VISTA, TOM PETTY.


Ya sabéis que en este blog odiamos las necrológicas muchísimo, porque una necrológica suele tener un esquema formal y si te fijas en muchas de ellas, llega un momento que sólo hay que cambiar el nombre de la persona y algunos datos, para acabar convirtiéndose en una fotocopia unas de otras y decir lo mismo de siempre lleva a que algunas palabras pierdan toda la carga de su significado. Y alguien como TOM PETTY no se merece eso.
En la blogsfera también podéis encontrar entradas muy trabajadas, en las que no falta un solo detalle. Como ejemplo; la de mi amigo Alberto de Común Sin Sentido a la que poco o nada podríamos aportar nosotros musicalmente hablando. Así que hemos decidido rendir tributo a TOM PETTY ahondando en nuestra parte emocional. Por un momento abandonaremos el plural estilístico del blog -ejercicio que estoy haciendo demasiado últimamente- y os contaré lo que ha supuesto en mi vida este gran músico que nos ha dejado prematuramente.



Tengo que confesar que descubrí a TOM PETTY bastante tarde si tenemos en cuenta que comenzó a publicar como Tom Petty & The Heartbreakers en 1976. Entonces yo tenía seis añitos y a pesar de que era un niño bastante precoz que ya prefería a Pink Floyd antes que otros subproductos patrios destinados para niños de esa edad, en casa tampoco había entrado ningún disco de Tom Petty, que ya sabéis como funcionaban las cosas en aquella época. Mis hermanas tenían una colección de vinilos, pero siempre había dos o tres vinilos perdidos que un día dejaron a alguien, que se lo dejó a otro alguien y nunca regresaron. Pero, a cambio, aparecían milagrosamente otros tres o cuatro vinilos ajenos que empezaban a formar parte de la colección de discos de mis hermanas y saldaban así sus cuentas de que nadie devolviese los discos que prestaba. Esa era una de las maneras en las que Tom Petty se podría haber colado en casa como se colaron otros muchos y nunca salieron de ella. Pero no, mis hermanas no estuvieron muy finas con los trueques y yo descubrí a Tom Petty muchos años después.



Tardé más de una década en descubrirlo y de rebote, porque no sé si recordaréis aquellos discos mágicos de un supergrupo llamado Traveling Wilburys con George Harrison, Bob Dylan, Roy Orbison, Tom Petty y... Jeff Lynne. Si seguís este blog y habéis visto alguna vez la sección de canciones sabréis que soy muy fan de E.L.O. y para mi Jeff Lynne siempre ha sido el puto amo. Consiguió un sonido propio y característico que imprimía en todas sus producciones, incluidas las que hacía para otros artistas. Y para mi, ese sonido siempre ha sido lo más parecido a la felicidad.
A finales de los 80, Lynne produjo algunos trabajos para Tom Petty; con esos trabajos y su incursión en The Traveling Wilburys, Petty me ganó para siempre. Sus canciones me daban muy buen rollo. De hecho, si estoy de bajón no sé qué tiene Learning To Fly que enseguida hace que me recupere. Y luego estaban los malditos ochenta y todas esas canciones vergonzosas que escuchaba la gente tipo Modern Talking que hoy día son indispensables para que suenen en una fiesta retro, y yo soy el primero que las pincha. Porque todo el Reggaetón y la basura que ha venido detrás, las ha hecho buenas. Pero entonces, me parecían una auténtica mierda y prefería refugiarme en Talking Heads, Suzanne Vega o estos discos de Tom Petty con Jeff Lynne



En aquellos tiempos era un simple estudiante que disponía de dos mil pesetas a la semana. Mil para salir un sábado y otras mil para salir un domingo. Y a pesar de que los adolescentes se vuelven intratables, considero que no he dado demasiada guerra. No era de pedir más dinero del que mis padres me quisieran dar. Pero ahora que lo pienso... Las dos mil pesetas estiraban muchísimo, porque prefería guardarlas y comprar discos antes que salir. Podía ir al cine un domingo por la tarde, pero poco más. Y en circunstancias como esta, cuando se tiene un capital tan limitado, alguien con una carrera detrás como la de Tom Petty te lo ponía francamente difícil si te querías poner al día con su discografía anterior. Así que esperé y esperé como agua de Mayo un recopilatorio que tardó muchísimo en llegar. Tanto, que cuando se editó en 1993 yo ya estaba en la Universidad y me había dejado seducir por la estética y los sonidos grunge. Pero lo disfruté como un auténtico enano y todavía hoy lo tengo a mano y lo escucho de vez en cuando. Y ese videoclip de Mary Jane's Last Dance con una bellísima Kim Basinger, lo tengo grabado en la retina.





Pero si hay una canción de Tom Petty que me ha acompañado media vida esa es You Don't Know How It Feels de Wildflower (1994) y es curioso porque cuando se editó solamente tenía 24 años y me parecía simplemente una canción buena. Entonces no me identificaba demasiado con la letra porque no me consideraba una persona demasiado complicada. Pero cuando cumplí los 30 y comenzó el rosario de crisis existenciales que he tenido a lo largo de mi vida -antes de los 30 no había tenido ninguna- digamos que esa canción se apoderó de mi porque su letra explicaba muy bien todo lo que me estaba ocurriendo y yo mismo era incapaz de expresar con palabras. En ese momento hubiera agradecido que en mi entorno hubiera una sola persona que supiese inglés, además de mi, porque se la hubiera pinchado y me hubiera ahorrado largas horas de conversaciones que no iban a ningún lado.





El año pasado Tom Petty volvió a publicar un segundo volumen como MUDCRUTCH -su banda inicial- un álbum que hizo que me reencontrara con él después de mucho tiempo y es un trabajo de quitarse el sombrero. Parece mentira que alguien que lleva casi cinco décadas en la música pueda sorprendernos con un disco como Mudcrutch 2 que muchas listas -incluida la nuestra- destacaron como lo mejor del 2016.
Precisamente por este trabajo que nos regalaba a un Tom Petty en plena forma y con muchísimo que contar todavía, hemos sacado como conclusión que la vida es impredecible y solamente sabes que te has despertado esta mañana. Lo de después, es una sorpresa. Hoy día que la esperanza de vida ha aumentado en varios años y que los cuarenta, cincuenta y sesenta de ahora no son los mismos cuarenta, cincuenta y sesenta de hace veinte años, fallecer con sesenta y seis es horrible para el que se va. Pero si además es un genio como Tom Petty que ha conseguido hacernos felices con sus canciones durante décadas, es igualmente horrible para los que nos quedamos. Afortunadamente nos deja un legado que se va a revalorizar ahora que no está. Porque fue uno de los mejores, aunque no se reconociera lo suficiente en vida.
Descanse en paz.








lunes, 2 de octubre de 2017

HISS GOLDEN MESSENGER: TIEMPOS DIFÍCILES.



Nunca hubiéramos imaginado que HISS GOLDEN MESSENGER editara tan pronto ALLELUJAH ANYHOW y que además fuera un disco tan grande, si tenemos en cuenta que todavía no ha hecho ni un año de la publicación de su anterior trabajo Heart Like a Levee (2016) -incluido en nuestra lista de los mejores álbumes del 2016- que nos parecía insuperable y hubiera merecido un tiempo mayor de atención.
Ahora es cuando reprocharíamos la inmediatez de los tiempos y que todo vaya tan rápido, pero no lo vamos a hacer porque ALLELUJAH ANYHOW es una auténtica maravilla. Nos atreveríamos a decir que es incluso mejor que Heart Like a Levee (2016).
Detrás de HISS GOLDEN MESSENGER se esconde el músico, intérprete y compositor Mc Taylor. Podríamos decir que sus últimos trabajos deambulan entre el Indie Folk, Folk Rock o incluso Country Alternativo. Nosotros hemos encontrado ciertos paralelismos con John Mellencamp que este año ha brillado especialmente con Sad Clowns & Hillbillies (2017).
Ya sabéis que estas entradas se suelen escribir en plural por puro estilo EXQUISITECES y aunque suene a que hay toda una redacción escribiéndolas, se puede decir que estoy solo la mayoría del tiempo y pocas veces hablo como Midas, el que escribe. Hoy lo voy a hacer. 



Cada semana se editan muchísimos discos de todos los estilos y géneros, os aseguro que los escucho todos, para escribir estas reseñas y poder confeccionar la mejor lista que se pueda hacer de los mejores discos del año. Una que abarque unos 1.000 ó 1.500 discos escuchados al año, para luego quedarnos con 100. Os contaré que llevaba unos días muy rutinarios, escuchaba un disco tras otro. Técnicamente y musicalmente podía decir cosas sobre ellos y destacar lo positivo de cada uno, porque llevo ya años en esto y sé hacer mi trabajo. Pero en el plano afectivo, no podía decir nada. Ninguno de esos discos había conseguido tocarme emocionalmente, ninguno me estaba haciendo sentir nada y me estaba replanteando si tomarme esto con más calma, porque no estaba disfrutando de la música.
Afortunadamente, llegó ALLELUJAH ANYHOW y cambió esta percepción por completo. Me atrapó y me enamoré del disco tras las primeras notas de la primera canción. Es un disco que me ha hecho sentir y eso ya son cinco estrellas por mi parte.
No sé lo que han dicho los críticos importantes de este trabajo, ni me voy a molestar en mirarlo esta vez. Porque francamente me importa una mierda y creo que ya he demostrado sobradamente que tengo olfato para esto. Y mis cinco estrellas valen tanto como las de ellos.
También os diré que ha sido "amor puro". Pero tampoco ha sido el único flechazo que he tenido este año, ha habido otros. Porque en el amor a la música no existe la monogamia. Cuanto más promiscuos seamos, mejor. 
ALLELUJAH ANYHOW es un disco bastante oportuno, tiene que ver también con la resiliencia de la que nos hablaba Tori Amos en Native Invader o cómo mantener la sonrisa cuando todo se está derrumbando a tu alrededor. Es ese disco para recordar que vivimos tiempos difíciles, muy difíciles. Pero siempre hay una salida.
Un álbum que recomiendo encarecidamente desde estas páginas porque ha significado ese balón de oxígeno que necesitaba para llegar a Diciembre sin tirar la toalla.


viernes, 29 de septiembre de 2017

EL REGRESO DE SHANIA TWAIN.

Hoy ha salido a la venta NOW el nuevo disco de SHANIA TWAIN que no publicaba un álbum de estudio con canciones inéditas desde 2002 con Up! y ya tenemos una excusa para hablar de una mujer importante que escribió una página en la historia de la música, consiguiendo el triple disco de diamante en USA por las ventas millonarias de su obra, en especial Come On Over (1997). Pero ese no fue su único logro. Twain revolucionó el country y lo paseó por todo el planeta. Es cierto que lo que ella hacía era country pop, un género bastante más agradable y complaciente para oídos poco acostumbrados al country. Pero nos consta que su éxito generó tendencia -Recordad a la Madonna de aquella época con su sombrero country en Music (2000)- y abrió las puertas de Europa a otros artistas que nunca habían trascendido de la escena estadounidense, haciendo más por el country de lo que nunca hubiera imaginado.
Aunque muchos puedan pensar que esta artista canadiense estaba retirada porque ganó suficiente dinero como para poder hacerlo, se equivocan. En todo este tiempo Shania Twain tuvo su propio programa en la televisión canadiense y también su show en Las Vegas como su compatriota Celine Dion.




El presente para cualquier artista que lleve quince años sin grabar un disco es bastante complicado. Hemos escuchado NOW y nos parece un disco arriesgado. Primero porque nos cuesta reconocer a la Shania Twain de los 90 sin la producción de su entonces marido "Mutt" Lange, su voz suena unos tonos más bajos que de costumbre en algunos cortes, y segundo porque hay muy poco de country, es solamente pop y un pop que a pesar de contar con una producción impecable y vanguardista a cargo de Ron Aniello, Jake Gosling, Jacquire King, Matthew Koma y la propia Twain dudamos mucho que despierte algún interés entre los menores de venticinco, precisamente hoy que también se ponen a la venta los discos de Miley Cyrus y Demi Lovato que son dos claros exponentes de ídolos millennials para público millenial. Y lo mejor que le puede pasar a un artista veterano para relanzar su carrera es atraer a un público varias generaciones más joven que el público que ya le sigue.
En cuanto a las pocas críticas que hemos podido recoger, le otorgan una media de tres estrellas sobre cinco. Entre otras cosas alaban la producción del disco y dicen que por fin se ha demostrado que la Twain no era la marioneta del productor "Mutt" Lange y que puede hacer algo bueno con otros productores o incluso autoproduciéndose ella misma.
Nosotros no estamos de acuerdo, creemos que para este NOW lo más sensato hubiera sido reunirse con su ex, el señor Lange -que todavía genera hits como You And I de Lady Gaga- para continuar donde se quedaron con UP! en el 2002. Porque si es complicado conquistar nuevo público, por lo menos intenta conservar el que te queda después de quince años de ausencia. Especialmente si revisamos Come On Over (1997) que ya ha cumplido veinte años y sigue en perfecta vigencia.



miércoles, 27 de septiembre de 2017

THE KILLERS HAN VUELTO.



WONDERFUL WONDERFUL es el quinto trabajo de THE KILLERS. Un disco muy esperado porque la banda no publicaba un álbum de estudio desde el 2012 con Battle Born. Aunque tuvimos noticias de Brandon Flowers en el 2015, que compagina sus discos en solitario con los de la banda, y es precisamente él quien compone muchos más temas para The Killers que sus otros integrantes. 
En ese sentido, Flowers es bastante interesante si tenemos en cuenta que lo que él hace en solitario es bastante distinto a lo que suele hacer con la banda. Es cierto que algún single aislado de sus dos discos en solitario podría haber sido un hit de The Killers. Pero creemos que ha dado con la fórmula y el sonido que funcionan a la perfección para THE KILLERS. Y si normalmente a otras bandas les exigimos que arriesguen, con THE KILLERS queremos que mantengan el listón de sus primeros discos y WONDERFUL WONDERFUL es una puesta al día de esos trabajos, porque recordemos que estamos hablando de una banda que reinó en la década pasada. Y ahora nos sorprenden con una colección de canciones que probablemente sean las mejores de su discografía.
The Man fue el primer adelanto y es una canción con toque retro New Wave que a este que suscribe le recuerda a una extraña suma entre Talking Heads y The Bee Gees.




A los críticos WONDERFUL WONDERFUL les está gustando mucho, con una promedio de tres estrellas y media sobre cinco. Hemos estado observando las valoraciones de los otros álbumes de la carrera de la banda y nos ha sorprendido descubrir que tienen valoraciones más bajas que la de este nuevo trabajo, tratándose de discos de ventas millonarias en todo el planeta. Y es que algunos críticos nunca les perdonaron que vendieran tantísimo y que durante un tiempo estuvieran hasta en la sopa.
Algunos dicen que WONDERFUL WONDERFUL es el mejor álbum de la banda desde Sam's Town (2006), y desde luego que reúne auténticos hits potenciales para rodar muchos videoclips y encabezar todas las listas de las radiofórmulas con cada una de sus canciones, aunque ya no estamos en 2006. 
A nosotros nos encanta ese Brandon Flowers grandilocuente y excesivo que está a punto de rozar el ridículo y que se crece cuando está amparado por su banda. Y en este trabajo hay mucho de todo eso. En definitiva, este es un disco de los mejores THE KILLERS y con eso debería estar todo dicho. Sus fans van a quedar muy complacidos. De todas formas, no nos gusta ser agoreros pero han pasado más de diez años de sus ventas millonarias y tampoco creemos que vayan a  revalidar esas ventas, a pesar de que el disco lo merece.


lunes, 25 de septiembre de 2017

LA CATARSIS DE KESHA.


Muchos se sorprenderán al ver a KESHA en EXQUISITECES y es cierto que nosotros la teníamos catalogada como chica florero sin ningún talento y subproducto de discográfica. Pero desde el año pasado decidimos escuchar prácticamente toda la producción anual y, hoy por hoy, creemos que si se pretende hacer una lista de los mejores discos del año, hay que abarcar el mayor material posible y confesamos que si no es por esa decisión de escucharlo todo, probablemente nos hubiéramos perdido RAINBOW por culpa de nuestros propios prejuicios. Y es que pesan mucho esas actuaciones de KESHA en los premios MTV del pasado, totalmente empañadas por sus adicciones y que, además, fuera la responsable de Tik Tok una de las canciones más idiotas de la música contemporánea.




Luego, se han sabido muchas historias para no dormir de cómo la pobre Kesha era solamente un corderito encerrado en una habitación llena de Tiburones, Leones y otras bestias que habitan la industria musical americana. Y no nos vamos a parar a comentar su juicio con el productor Dr. Luke porque hay cientos de páginas que lo han seguido con todo detalle en la red. Pero con todo lo que ha ocurrido, KESHA tenía todas las papeletas para convertirse en un juguete roto de las discográficas y acabar en el ostracismo con la etiqueta de "Persona Conflictiva", a pesar de haber sido una víctima de un sistema que apesta.




Pero lo que hace un buen músico -y a partir de este momento retiramos lo de chica florero y subproducto- es intentar superar sus problemas, encerrarse a componer y darnos lo mejor que tiene. Y eso es justamente RAINBOW una catarsis en la que KESHA se abre en canal y deja fluir sus sentimientos. Y no es una casualidad que este trabajo se gestara durante su estancia en una clínica de rehabilitación. Encontramos canciones un tanto tristes y explícitas como Bastards que habla de poner límites a los matones o Woman inspirada por un comentario machista de Donald Trump. Aunque probablemente la canción que pase a la historia como un himno de superación es Learn To Let Go
Lo que tienen en común todas estas canciones es que en todas existe un lugar para el perdón y la redención. Kesha perdona y no olvida. Pero prefiere seguir adelante en vez de regodearse en el rencor. Algo que la hace aún más fuerte y más grande. 
Musicalmente nos ha encantado esos giros que van desde el pop hacia el Country Alternativo y el momentazo junto a Dolly Parton, sin ninguna duda de lo mejor de un álbum emocional, vital y que se adscribe al concepto de empoderamiento femenino.





En cuanto a la crítica, RAINBOW es el álbum de KESHA mejor valorado de su discografía con una media de cuatro estrellas sobre cinco, algo que tampoco nos ha extrañado y nuestros lectores lo apreciarán porque ya hemos dejado claro que nos hemos saltado nuestra línea editorial. Pero es que RAINBOW es un gran trabajo y estará en nuestra lista de los mejores álbumes del 2017 y preferimos reseñarlo ahora para que los más puntillosos se vayan haciendo el cuerpo, antes que provocarles un infarto el último día.
Bromas aparte, liberaos de prejuicios como hemos hecho nosotros y escuchad RAINBOW es un auténtico discazo. Atentos también a las próximas nominaciones a los Premios Grammy. Kesha va a estar seguro.






viernes, 22 de septiembre de 2017

CHARLOTTE MARTIN VUELVE A EMOCIONARNOS.



Hoy queremos hablar de RAPTURE el nuevo trabajo de CHARLOTTE MARTIN. Un disco que no ha entrado en ninguna lista de ventas, ni ha recibido ninguna crítica por parte de un medio importante, ni siquiera sabemos si vamos a encontrar vídeos en Youtube para acompañar esta entrada. 
Un disco que si queréis comprarlo, lo podéis hacer mediante descarga digital a través de iTunes -En Amazon también está disponible en descargas- pero si queréis el CD en formato físico, solamente se puede comprar en la página oficial de la artista; cuesta unos 15 Euros, más otros 16 de gastos de envío si lo pides desde España.
Os estamos contando todo esto para que os hagáis una idea de lo extremadamente indie que las circunstancias han convertido a esta gran intérprete y compositora. Y aunque uno de los requisitos importantes cuando escribimos nuestras reseñas es que la compra del CD del que hablamos debe ser accesible para el lector, no podíamos cerrar el año sin hablar de RAPTURE. Porque es uno de los mejores trabajos del 2017.




CHARLOTTE MARTIN probablemente sea la mejor compositora de su generación. Su estilo al piano, tesitura y color de voz generaron comparaciones con Tori Amos al inicio de su carrera allá por el año 2004, fecha de lanzamiento de On Your Shore, su álbum debut. Y es cierto que Amos fue una fuente de inspiración confesa al principio. Y que la discográfica que lanzó a CHARLOTTE MARTIN jugó un poco con lo de "La nueva Tori Amos" y le salió el tiro por la culata. Porque la vieja todavía tenía mucho que decir. Pero la carrera de Martin hace años que tomó su propio rumbo, justo en cuanto ella tomó el control y se curtió como artista indie que se autoproduce sus propios discos. 
RAPTURE probablemente sea su mejor trabajo desde esa pequeña obra maestra titulada Stromata (2006), Martin sigue cimentando la arquitectura de sus canciones en su piano y hace mucho tiempo que domina la electrónica y sabe crear auténticas atmósferas jugando con todos esos elementos y los matices de su propia voz en diferentes escalas. Una auténtica delicia de trabajo repleto de baladas emocionantes que recomendamos encarecidamente desde aquí.
Afortunadamente, se puede escuchar también en Spotify y os colgamos la lista de reproducción. No os lo perdáis.

miércoles, 20 de septiembre de 2017

SAMPHA REVITALIZA EL R&B.


Si el R&B, género trillado donde los haya, tiene salvación (y redención) es gracias a trabajos como PROCESS del cantante, compositor y productor británico SAMPHA. PROCCES es un ejemplo de cómo van a ser los discos de R&B en un futuro inmediato y nosotros estamos muy contentos de que así sea. 
SAMPHA SISAY debuta con este álbum. Pero se ha curtido trabajando con estrellas como Solange, Drake, Kanye West, Jessie Ware o nuestra querida Katy B antes de publicar este trabajo que nos ha cautivado desde el primer corte. 
Es cierto que para quien no esté acostumbrado a estos nuevos sonidos -También etiquetados como neo soul- va a necesitar un par de escuchas para saber apreciarlos. A nosotros nos parecieron muy interesantes e inquietantes en la primera vuelta, porque queríamos mucho más y necesitábamos saber mucho más de su responsable. Además de despertar cierta ternura en nosotros con esas letras en las que nos cuenta su proceso vital.
Sisay ha realizado labores de producción con algunos de los artistas citados y en su disco también las cumple, pero además ha contado con la colaboración del productor escocés Rodhaid McDonald responsable de algunos de los mejores sonidos de The XX, Daughter o Vampire Weekend





La crítica está bastante satisfecha con este trabajo que no baja de las cuatro estrellas. Solamente por la parte innovadora, las merece (incluso cinco). Aunque a los que no le gusta tanta innovación, y sean amantes de las de las grandes voces. Quizás piensen que le sobra la parte electrónica y que SAMPHA se luciría muchísimo más con unos arreglos algo más tradicionales. Es muy cierto que esa voz privilegiada no necesita ningún artificio de laboratorio. Pero, de momento, la gracia de PROCESS está precisamente en cómo mezclar una voz como la suya, con esos artificios empleados con tantísima inteligencia. 
Aunque este álbum tiene cortes para todos los gustos. A los que acusen a este trabajo de ser demasiado moderno, les recomendaremos esa maravilla titulada (No One Knows me) Like The Piano.
Otro de los grandes aciertos es que a pesar de que Sampha haya trabajado con raperos, y que el R&B suela ir acompañado de algo de rap o hip hop en algunas ocasiones, en este álbum no hay ni una sola estrofa rapeada. En ese sentido, ha querido huir de lo obvio. Aunque si la hubiera incluido, el disco seguiría siendo igual de bueno y nos hubiera parecido exactamente igual de inquietante, interesante e incluso excitante.



lunes, 18 de septiembre de 2017

JACK JOHNSON CONTESTA A DONALD TRUMP.



JACK JOHNSON es otro de esos viejos amigos que regresan con un nuevo trabajo. Se titula ALL THE LIGHT ABOVE IT TOO y es el séptimo en su carrera.
Y habría que hablar mucho sobre cómo JACK JOHNSON, con sus dos primeros discos, fue uno de los artistas más cool del primer lustro del milenio y de cómo dejó de serlo con su transición posterior al mainstream que se inició con In Between Dreams (2005) y que continuó con dos discos que aburrieron bastante, hasta que volviera a sorprendernos con From Here To Now To You (2013) un álbum que recuperaba el pulso de sus dos primeros trabajos, que tampoco devolvió a Johnson a la primera línea. Nosotros en su momento advertimos que ese trabajo quedaba un tanto lastrado por un exceso de baladas.
Ahora es el momento de ALL THE LIGHT ABOVE IT TOO un álbum del que han dicho que está emparentado con Sleep Through The Static (2008) y puede que sea cierto en meros aspectos formales. Pero ALL THE LIGHT ABOVE IT TOO suena bastante mejor y tiene suficientes ingredientes como para que Johnson reactive su carrera engatusando a un público mucho más joven del que le ha seguido hasta la fecha.



El propio Johnson ha comentado que las canciones de este álbum no las ha compuesto en su casa o en su estudio, porque le resultaba más inspirador componerlas en acampadas o navegando. Y los que ya conocéis a Johnson como activista ecologista y persona concienciada con su tiempo, no os sorprenderá saber que algunas de las canciones son auténticas réplicas a las opiniones de Donald Trump sobre el calentamiento global y otros aspectos ecológicos. Precisamente The Times UK ha machacado este disco otorgándole dos de cinco estrellas con el argumento de que "Sus canciones están muy politizadas". Un argumento poco válido si tenemos en cuenta que normalmente se usa cuando la línea editorial del medio que lo proclama, no comulga con las ideas expuestas en las canciones. Por lo que no se puede considerar una crítica estrictamente musical.
El resto de los críticos no han mezclado churras con merinas y han respondido favorablemente. Nosotros tenemos la sensación de que este trabajo puede hacer mucho por la carrera de Johnson, porque ya se nos había olvidado que podía sonar así de bien y hemos atisbado cierta frescura que no encontrábamos desde sus tres primeros discos. El productor elegido esta ocasión ha sido Robbie Lackritz y ha conseguido potenciar su elegancia de siempre y la brillantez que ya conocíamos en otros de sus álbumes más acústicos.






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