NUESTROS CÓMPLICES:

viernes, 22 de septiembre de 2017

CHARLOTTE MARTIN VUELVE A EMOCIONARNOS.



Hoy queremos hablar de RAPTURE el nuevo trabajo de CHARLOTTE MARTIN. Un disco que no ha entrado en ninguna lista de ventas, ni ha recibido ninguna crítica por parte de un medio importante, ni siquiera sabemos si vamos a encontrar vídeos en Youtube para acompañar esta entrada. 
Un disco que si queréis comprarlo, lo podéis hacer mediante descarga digital a través de iTunes -En Amazon también está disponible en descargas- pero si queréis el CD en formato físico, solamente se puede comprar en la página oficial de la artista; cuesta unos 15 Euros, más otros 16 de gastos de envío si lo pides desde España.
Os estamos contando todo esto para que os hagáis una idea de lo extremadamente indie que las circunstancias han convertido a esta gran intérprete y compositora. Y aunque uno de los requisitos importantes cuando escribimos nuestras reseñas es que la compra del CD del que hablamos debe ser accesible para el lector, no podíamos cerrar el año sin hablar de RAPTURE. Porque es uno de los mejores trabajos del 2017.




CHARLOTTE MARTIN probablemente sea la mejor compositora de su generación. Su estilo al piano, tesitura y color de voz generaron comparaciones con Tori Amos al inicio de su carrera allá por el año 2004, fecha de lanzamiento de On Your Shore, su álbum debut. Y es cierto que Amos fue una fuente de inspiración confesa al principio. Y que la discográfica que lanzó a CHARLOTTE MARTIN jugó un poco con lo de "La nueva Tori Amos" y le salió el tiro por la culata. Porque la vieja todavía tenía mucho que decir. Pero la carrera de Martin hace años que tomó su propio rumbo, justo en cuanto ella tomó el control y se curtió como artista indie que se autoproduce sus propios discos. 
RAPTURE probablemente sea su mejor trabajo desde esa pequeña obra maestra titulada Stromata (2006), Martin sigue cimentando la arquitectura de sus canciones en su piano y hace mucho tiempo que domina la electrónica y sabe crear auténticas atmósferas jugando con todos esos elementos y los matices de su propia voz en diferentes escalas. Una auténtica delicia de trabajo repleto de baladas emocionantes que recomendamos encarecidamente desde aquí.
Afortunadamente, se puede escuchar también en Spotify y os colgamos la lista de reproducción. No os lo perdáis.

miércoles, 20 de septiembre de 2017

SAMPHA REVITALIZA EL R&B.


Si el R&B, género trillado donde los haya, tiene salvación (y redención) es gracias a trabajos como PROCESS del cantante, compositor y productor británico SAMPHA. PROCCES es un ejemplo de cómo van a ser los discos de R&B en un futuro inmediato y nosotros estamos muy contentos de que así sea. 
SAMPHA SISAY debuta con este álbum. Pero se ha curtido trabajando con estrellas como Solange, Drake, Kanye West, Jessie Ware o nuestra querida Katy B antes de publicar este trabajo que nos ha cautivado desde el primer corte. 
Es cierto que para quien no esté acostumbrado a estos nuevos sonidos -También etiquetados como neo soul- va a necesitar un par de escuchas para saber apreciarlos. A nosotros nos parecieron muy interesantes e inquietantes en la primera vuelta, porque queríamos mucho más y necesitábamos saber mucho más de su responsable. Además de despertar cierta ternura en nosotros con esas letras en las que nos cuenta su proceso vital.
Sisay ha realizado labores de producción con algunos de los artistas citados y en su disco también las cumple, pero además ha contado con la colaboración del productor escocés Rodhaid McDonald responsable de algunos de los mejores sonidos de The XX, Daughter o Vampire Weekend





La crítica está bastante satisfecha con este trabajo que no baja de las cuatro estrellas. Solamente por la parte innovadora, las merece (incluso cinco). Aunque a los que no le gusta tanta innovación, y sean amantes de las de las grandes voces. Quizás piensen que le sobra la parte electrónica y que SAMPHA se luciría muchísimo más con unos arreglos algo más tradicionales. Es muy cierto que esa voz privilegiada no necesita ningún artificio de laboratorio. Pero, de momento, la gracia de PROCESS está precisamente en cómo mezclar una voz como la suya, con esos artificios empleados con tantísima inteligencia. 
Aunque este álbum tiene cortes para todos los gustos. A los que acusen a este trabajo de ser demasiado moderno, les recomendaremos esa maravilla titulada (No One Knows me) Like The Piano.
Otro de los grandes aciertos es que a pesar de que Sampha haya trabajado con raperos, y que el R&B suela ir acompañado de algo de rap o hip hop en algunas ocasiones, en este álbum no hay ni una sola estrofa rapeada. En ese sentido, ha querido huir de lo obvio. Aunque si la hubiera incluido, el disco seguiría siendo igual de bueno y nos hubiera parecido exactamente igual de inquietante, interesante e incluso excitante.



lunes, 18 de septiembre de 2017

JACK JOHNSON CONTESTA A DONALD TRUMP.



JACK JOHNSON es otro de esos viejos amigos que regresan con un nuevo trabajo. Se titula ALL THE LIGHT ABOVE IT TOO y es el séptimo en su carrera.
Y habría que hablar mucho sobre cómo JACK JOHNSON, con sus dos primeros discos, fue uno de los artistas más cool del primer lustro del milenio y de cómo dejó de serlo con su transición posterior al mainstream que se inició con In Between Dreams (2005) y que continuó con dos discos que aburrieron bastante, hasta que volviera a sorprendernos con From Here To Now To You (2013) un álbum que recuperaba el pulso de sus dos primeros trabajos, que tampoco devolvió a Johnson a la primera línea. Nosotros en su momento advertimos que ese trabajo quedaba un tanto lastrado por un exceso de baladas.
Ahora es el momento de ALL THE LIGHT ABOVE IT TOO un álbum del que han dicho que está emparentado con Sleep Through The Static (2008) y puede que sea cierto en meros aspectos formales. Pero ALL THE LIGHT ABOVE IT TOO suena bastante mejor y tiene suficientes ingredientes como para que Johnson reactive su carrera engatusando a un público mucho más joven del que le ha seguido hasta la fecha.



El propio Johnson ha comentado que las canciones de este álbum no las ha compuesto en su casa o en su estudio, porque le resultaba más inspirador componerlas en acampadas o navegando. Y los que ya conocéis a Johnson como activista ecologista y persona concienciada con su tiempo, no os sorprenderá saber que algunas de las canciones son auténticas réplicas a las opiniones de Donald Trump sobre el calentamiento global y otros aspectos ecológicos. Precisamente The Times UK ha machacado este disco otorgándole dos de cinco estrellas con el argumento de que "Sus canciones están muy politizadas". Un argumento poco válido si tenemos en cuenta que normalmente se usa cuando la línea editorial del medio que lo proclama, no comulga con las ideas expuestas en las canciones. Por lo que no se puede considerar una crítica estrictamente musical.
El resto de los críticos no han mezclado churras con merinas y han respondido favorablemente. Nosotros tenemos la sensación de que este trabajo puede hacer mucho por la carrera de Johnson, porque ya se nos había olvidado que podía sonar así de bien y hemos atisbado cierta frescura que no encontrábamos desde sus tres primeros discos. El productor elegido esta ocasión ha sido Robbie Lackritz y ha conseguido potenciar su elegancia de siempre y la brillantez que ya conocíamos en otros de sus álbumes más acústicos.






viernes, 15 de septiembre de 2017

EL LADO ROMÁNTICO DE JAKE BUGG.



JAKE BUGG vuelve al ataque con HEARTS THAT STRAIN cuando todavía estamos peleándonos con todos los que dijeron que On My One (2016) fue uno de los peores discos del año pasado. Recordemos que la polémica surgió porque Bugg dio el salto a la producción musical, algo que muchos de los críticos consideraron que fue un error. Nosotros, siempre a contracorriente, lo valoramos muy positivamente y seguimos pensando que está perfectamente capacitado para seguir haciéndolo.
En este nuevo trabajo Bugg ha decidido que Dan Auerbach sea el productor principal y se ha reservado un lugar como productor adicional. Pero ni por eso se ha librado de algún que otro palo de algunos medios británicos. Ya se ha entrado en una dinámica en la que estos críticos buscan cierta notoriedad y es muy fácil que terminemos hablando de ellos, cuando machacan por sistema al artista más prometedor que ha surgido en los últimos cinco años. 
Sinceramente, Jake Bugg continua teniendo el respaldo del público. Porque si le hubiera importado solo un poco la recepción crítica de su trabajo anterior, probablemente se lo hubiera tomado con más calma y se hubiese planteado editar este disco en el 2018. Pero no, él va casi a disco por año y se lo puede permitir porque no solo no se atisba ni un mínimo de desgaste en esta nueva propuesta. Es que Bugg incluso evoluciona.

HEARTS THAT STRAIN es el disco menos rockero de los cuatro que tiene publicados, con On My One la transición al Pop ya estaba hecha. Aunque realmente, Bugg fue etiquetado en el Brit Pop y el Rock desde el principio. La particularidad de este trabajo es que nos muestra un lado romántico que nos había enseñado de pasada en sus trabajos anteriores. Porque en HEART THAT STRAIN predominan las baladas de desamor -Algunas con reminiscencias country como This Time- y brilla especialmente Waiting, una balada de corte retro en la que cuenta con la colaboración de Noah Cyrus la hermana pequeña de Miley Cyrus que ya empieza a hacer sus pinitos. Es el primer dúo de Bugg de su carrera.
A nosotros HEART THAT STRAIN nos ha gustado. Es cierto que sigue sin superar sus dos primeros trabajos, pero por lo menos explora otros territorios inexplorados anteriormente y huye del encasillamiento sin renunciar a sus influencias, que son las mismas que ya hemos comentado en otras ocasiones.
Recordemos que Jake Bugg comenzó su carrera con 18 años y tiene 23. Es bueno que experimente, que juegue e incluso que cometa errores. El gran problema es que el mercado británico es tan despiadado que no te puedes premitir el lujo de cometer demasiados errores. Cada día aparecen artistas nuevos, con más talento y mejor dotados como músicos que los que ya están en la palestra. A Jake Bugg le puede hacer mucho daño Declan McKenna. Aunque nosotros pensamos que hay espacio para los dos.




miércoles, 13 de septiembre de 2017

¿POR QUÉ NOS GUSTA TANTO THE WAR ON DRUGS?


Por fin estamos hablando de A DEEPER UNDERSTANDING de THE WAR ON DRUGS un esperadísimo álbum que se ha colado en los primeros puestos de todas las listas de varios países del mundo, en gran medida gracias al éxito de Lost In The Dream (2014) que fue el álbum que los colocó en el disparadero. De no existir aquel álbum, probablemente hoy no estaríamos hablando de ellos, a pesar de que Adam Granduciel y su banda no son ningunos debutantes, A DEEPER UNDERSTANDING es su cuarto álbum de estudio y estamos convencidos de que no será el último.




-¿Por que nos gusta tanto THE WAR ON DRUGS?-
Nos gustaría hacer esta misma pregunta a alguien que tenga 18 años, esté empezando a escuchar música desde hace poco tiempo y haya descubierto que THE WAR ON DRUGS es una de sus bandas favoritas. Seguramente, sus razones nos sorprenderían mucho más que las que podemos argumentar nosotros, que ya estamos cerca de los 50 y llevamos tanta música sobre nuestras espaldas. Porque para nosotros THE WAR ON DRUGS rezuma lo mejor de las bandas de mediado de los ochenta. Y no es que nos recuerden exactamente a Dire Straits o Roxy Music por citar dos ejemplos claros, es que nos recuerdan mucho más a la magia de un momento concreto de nuestras vidas. Al olor, los sabores y colores de una época en la que éramos realmente felices. Y hay un trocito de felicidad encerrada en cada uno de esos punteos de guitarra y en esas atmósferas que se crean en cada canción. 
Por eso nos gusta tanto THE WAR ON DRUGS. Y aunque básicamente nos sustentemos en la nostalgia para responder a la pregunta, también diremos que objetivamente hacen muy buenos discos.



La crítica está valorando A DEEPER UNDERSTANDING prácticamente igual que valoraron Lost In The Dream que os recordamos que fue proclamado mejor disco del 2014 por muchos medios importantes de la prensa especializada. Y como decía al principio, la acogida en listas oficiales de ventas y/o popularidad de este cuarto álbum ha sido mayor que las de Lost In The Dream, gracias precisamente a Lost In The Dream que fue un disco que no se vendió de golpe y aguantó muchísimas semanas en listas. Es muy probable que todo el que lo compró durante los últimos tres años, haya comprado ahora A DEEPER UNDERSTANDING nada más editarse. Sumado a que la discográfica había colgado varios adelantos de este nuevo trabajo en Youtube. Y el público podía comprobar que no se equivocaba si los elegía.
-¿En qué se diferencian?-
Quizás A DEEPER UNDERSTANDING sea más de canciones concretas y directas y en Lost In The Dream había más espacio para divagar, soñar... Pero en esencia, los dos te regalan sensaciones parecidas con el universo sonoro que saben crear en cada corte.
Lost In The Dream se convirtió en uno de nuestros discos de cabecera, en su momento. A DEEPER UNDERSTANDING va por el mismo camino, e incluso intuimos que va acabar gustándonos más. Pero todavía no nos atrevemos a decirlo. 
Para concluir, sólo nos queda recomendar la discografía de THE WAR ON DRUGS, incluso sus dos primeros álbumes, que da la sensación de que han sido fagocitados por dos los últimos y también contienen grandes momentos con Kurt Vile incluido.



lunes, 11 de septiembre de 2017

CIGARETTES AFTER SEX: TRISTEZA POSTCOITAL


El pasado mes de Junio por fin se editó el disco homónimo de CIGARETTES AFTER SEX un título un tanto sugerente que en cuanto se escucha el disco, no deja lugar a dudas. Pero mejor, contar primero que se trata de una banda de ambient pop con origen en El Paso, Texas que tiene como miembro fundador a Greg González que es el vocalista, autor y productor musical de todos los temas del disco, le acompañan los otros tres miembros de la banda: Phillip Tubbs, Randy Miller y Jacob Tomsky.
CIGARETTES AFTER SEX lleva en activo desde el 2008 y tras editar varios Eps, la publicación del primer largo no se ha materializado hasta este 2017.
Hace unos días nos comentaba uno de nuestros queridos lectores, vía mensaje privado, que la música indie en los últimos tiempos estaba plagada de cantantes susurrantes de letras muy tristes. Que no sabía si responsabilizar a Lana del Rey de esa nueva tendencia. Quizás Lana del Rey sea el ejemplo más visible, pero a nosotros se nos ocurre otros artistas como Max Jury o Flo Morrissey, que aunque no estén adscritos al ambient pop, sus canciones pueden producirte la misma tristeza postcoital que producen las de CIGARETTES AFTER SEX.




A la crítica le ha gustado bastante este trabajo y ha sido valorado con una media de cuatro estrellas. Nosotros tenemos que decir que estamos muy enganchados y no precisamente porque seamos adictos al drama. Es que son diez cortes que una vez que los has escuchado, hacen que te sientas muy vivo y eso es bastante más de lo que un disco pop puede darte hoy día.
Nosotros recomendaríamos este disco para una velada romántica en la que vaya a haber sexo. Nos da igual si el disco se pincha antes o después. Los de CIGARETTES AFTER SEX, como su propio nombre indica, lo recomiendan para después. Nosotros pensamos que se pueden conseguir grandes avances si se pincha antes o incluso durante.
Bromas aparte, lo que sí que anunciamos ya es que este álbum estará en nuestra lista de lo mejor del 2017. Así que id escuchándolo para que luego no os llevéis una sorpresa. Y recomendamos, sobre todo, que escuchéis el disco, la grabación original. Porque hemos encontrado estos vídeos que para lo único que sirven es para demostrar su solvencia en directo y que no son un producto de laboratorio. Pero nos tememos que su música es incompatible con verles las caras. Te lo crees todo mucho más si no los ves, por muy duro que suene decirlo.





viernes, 8 de septiembre de 2017

TORI AMOS Y LA RESILIENCIA.


Hoy ha salido a la venta NATIVE INVADER, el decimoquinto álbum de estudio de TORI AMOS. Un trabajo muy esperado después de demostrar que estaba en plena forma con Unrepentant Geraldines (2014), que supuso su regreso al pop. NATIVE INVADER es un álbum un tanto espinoso que está basado en una idea principal; la resiliencia en dos de sus vertientes: la psicológica y la ecológica, a la que se entrelazan transversalmente otras ideas como: la inmigración, el cambio climático, la madre naturaleza o la maternidad, además de otras cuestiones sociopolíticas propias de la era Trump, bastante cuestionables.
Muchos lo han tildado de disco conceptual para no perder la costumbre, y se podría entender como tal porque está emparentado con dos de sus discos conceptuales más aclamados: Scarlet's Walk (2002) y American Doll Posse (2007). En cualquier caso, se trata de otro disco trascendente de TORI AMOS hijo de su propio tiempo, el presente, -Atención a ese guiño a Juego De Tronos en la portada- y, como siempre, nada surge de la casualidad y nunca se da una puntada sin hilo.




Han salido algunas críticas del disco y, de momento, la mayoría son muy buenas. Tiene dos de esas que llaman "mixtas" (regulares) y ninguna mala. Aún tienen que salir muchas más. Pero es suficiente para que nosotros comencemos a "criticar a los críticos". Un ejercicio que últimamente nos encanta hacer. 
El problema de una crítica regular para alguien capaz de ofrecerte un trabajo tan complejo como NATIVE INVADER es que se acaba interpretando como una crítica mala. Tenemos la sensación de que la crítica le exige mucho más a TORI AMOS que a cualquier niño bonito del pop que cumple con un par de riffs de guitarra y una canción molona. Y es que Amos nos ha acostumbrado tanto a esas canciones de arquitectura difícil y esos brotes de genialidad que ya no los valoramos lo suficiente.
Siendo justos, no todo es perfecto en NATIVE INVADER, cuando se editó el primer adelanto Cloud Rider tenemos que decir que no nos pareció nada novedoso y sentenciamos: "Que se había quedado anclada en los 90", luego llegó Up The Creek que es uno de los grandes momentos del álbum y nos tapó la boca, cómo con otros muchos excelentes cortes: Breakaway o Mary's Eyes, por citar un par de ellos.




Aún así, creemos que sería muy bueno que TORI AMOS confiase la producción musical de su próximo trabajo a otra persona. Ella misma ha producido todos sus discos en los últimos años y todo resulta muy casero y entrañable cuando cuenta con la guitarra de su marido o los coros de su hija Tash. Y seguramente que ese universo (cerrado) daría para varios discos más, tan buenos como este o mejor. Pero nos gustaría que se abriese a otras tendencias y a otras colaboraciones con otros músicos, para seguir teniendo la sensación de que TORI AMOS no ha tocado techo todavía y puede crecer mucho más. En definitiva, que nunca pierda la capacidad de sorprender incluso a los que conocemos bien su obra. Lamentablemente, no hay factor sorpresa en NATIVE INVADER. Solamente es un muy buen disco de Tori Amos, que no es poco.
Por lo demás, este trabajo es todo un acontecimiento. Un hito histórico, como cada álbum de esta genio contemporánea, a veces incomprendida. 
Seguimos insistiendo en que los trabajos de Amos funcionan mucho mejor como álbumes y hay que valorarlos en todo su conjunto, aunque la tendencia actual sea analizarlos por canciones sueltas. De hecho, las dos críticas "mixtas" provienen de críticos que han diseccionado el disco canción por canción, sin analizar la cohesión del álbum. Algo que nos parece un error garrafal.
Una vez más recomendamos encarecidamente NATIVE INVADER de TORI AMOS no solamente a los fans. Nunca es tarde para descubrir a una de las artistas más completas, peculiares y carismáticas del Siglo XXI. 



miércoles, 6 de septiembre de 2017

¡SHELBY LYNNE Y ALLISON MOORER POR FIN JUNTAS!


Muchos teníamos la esperanza de que llegase el día en que SHELBY LYNNE y ALLISON MOORER colaborasen en un disco. Más que nada porque son hermanas y parecía que no lo iban a hacer nunca. Ya que este NO DARK YET es el décimoquinto álbum de estudio de Shelby Lynne y el décimo de Allison Moorer
Lo que nos cuesta comprender es que si NO DARK YET se ha convertido en todo un acontecimiento, porque cuenta con la unión de dos de las compositoras e intérpretes mas brillantes de la música americana contemporánea, se haya decidido anular precisamente su vertiente de compositoras optando por un disco de covers
Es cierto que Is It Too Much, el corte número diez que cierra el disco, es la única canción inédita compuesta por las dos hermanas para este trabajo. Todo un regalo que nos deja con ganas de mucho más made Lynne & Moorer y la presencia de ese corte hace que nos reafirmemos en la idea de que este esperado encuentro no debería haber sido únicamente un disco de covers con tan sólo diez cortes. Se hubiera agradecido mucho, al menos, cinco o seis cortes más con canciones inéditas.




El productor escogido para este trabajo fue el británico Teddy Thompson y el repertorio es bastante ecléctico. Desde el inevitable Bob Dylan con su No Dark Yet que da título al álbum. Hasta Nirvana The Killers, pasando por The Louvin Brothers o Nick Kave & The Bad Seeds. También versionan algunos temas de autores folk y country como Jason Isbell o Townes Van Zandt dónde brillan especialmente. 
Nuestra única discrepancia con un disco que nos parece realmente impecable es que si decides hacer una versión de una canción de Nirvana, lo mejor que puedes hacer es lo que hizo Sinèad O'ConnorTori Amos o Sturgill Simpson en su momento. Llevarla a tu territorio sin miedo de ponerla del revés, si hace falta. Lo que Lynne & Moorer hacen con Lithium no es que llegue a ser inaudible precisamente. Pero respetan tantísimo la versión original, que esta revisión es un tanto innecesaria.
En definitiva, que NO DARK YET es un buen disco. Pero, puestos a soñar, pensamos que podría haber sido mucho mejor si hubieran invertido más tiempo en componer canciones nuevas, que en seleccionar posibles covers. Aún así, por el simple hecho de reunir a las dos hermanas por primera vez, está teniendo mucha más aceptación en las listas que los últimos discos de ambas en solitario. Y era muy necesario devolver a la primera línea a estas dos grandes mujeres.


lunes, 4 de septiembre de 2017

IRON & WINE: EL PASO DEL TIEMPO Y EL TRÁNSITO.


La semana pasada se ponía a la venta BEAST EPIC el nuevo trabajo de IRON & WINE. Tendríamos que hacer un poco de memoria y recordar que la última vez que Sam Beam firmó como Iron & Wine fue en el 2015 con Sing Into My Mouth el disco de versiones junto a Ben Bridwell de Band Of Horses. Un trabajo excelente, pero un tanto ajeno a la discografía de Iron & Wine tal y como se había quedado en el 2013 tras la publicación de Ghost On Ghost, un álbum en el que Beam había tocado techo consiguiendo la mayor amplitud sonora de toda su carrera. Aunque nosotros siempre hemos defendido que el disco realmente importante y que marcó la dirección a seguir fue Kiss Each Other Clean (2011). 
Un crítico definió BEAST EPIC como "Un paso atrás consciente por parte del autor". Nosotros no estamos nada de acuerdo con esta afirmación. Es cierto que BEAST EPIC es un disco de Folk Acústico más emparentado con el celebradísimo Our Endless Numbered Days (2004) o con Love Letter To Fire, el disco que firmó como Sam Beam junto a Jesca Hoop el año pasado, que con una supuesta secuela de Ghost on Ghost. Secuela imposible a todos los efectos. Porque este que suscribe ya auguró en una de las contestaciones a los comentarios de nuestra entrada de ese disco que Beam había llegado a un punto en el que resultaba bastante difícil que pudiera seguir por ese camino y que a lo mejor retomaría la senda que inició con The Shepher's dog (2007). Pero en ningún caso considerábamos que esto fuera un paso atrás, sino adelante. Porque para regresar a ese "menos es más" de BEAST EPIC debió pasar antes por las casillas de Kiss Each Other Clean (2011) y Ghost on Ghost (2013) y demostrarnos a todos (y a él mismo) que era capaz de salir bastante airoso complicando la arquitectura musical de sus canciones, jugando con muchos más elementos y abandonando el minimalismo de sus primeras obras. De hecho, BEAST EPIC objetivamente es mejor trabajo que Our Endless Numbered Days (2004) que está considerado como una pequeña obra maestra. Aunque por factores temporales y emocionales, BEAST EPIC nunca va a alcanzar esa distinción hasta que no pase un poco de tiempo y deje ese poso que dejan todos los discos de IRON & WINE.






Precisamente, según su autor, BEAST EPIC está inspirado por la idea del paso del tiempo, el tránsito y el crecimiento personal, temas recurrentes cuando te acercas a la madurez y evalúas cómo ha transcurrido tu vida. La producción musical y la composición de todos los temas corren a cargo del propio Sam Beam. En cuanto a la crítica, hasta este preciso momento, ha sido positiva. Pero no entusiasta: Una media entre 3'5 y 4 estrellas sobre 5. Aunque su posición en las listas de diez países consultados se aleja muchísimo de la que consiguieron sus discos anteriores. En cualquier caso, el disco no lleva ni una semana en la calle y todo esto es susceptible de cambios. Nos consta que Sub Pop ya ha colgado un par de vídeos del disco en Youtube y está haciendo una promoción lo suficientemente aceptable como para que ascienda en posiciones en las listas y adquiera más estrellas de los críticos. El disco, desde luego, lo merece. Es más, nos vamos a mojar -cómo siempre- y vamos a decir que si esta vez no entierran a Sam Beam en premios Grammy y este disco no se proclama mejor disco del año en listas más importantes que la nuestra, es simplemente porque la industria musical y la prensa musical especializada están bastante podridas.










viernes, 1 de septiembre de 2017

HURRAY FOR THE RIFF RAFF: LA PASIÓN DE ALYNDA SEGARRA.


Septiembre... Último cuatrimestre del año y tenemos tres meses para confeccionar nuestra lista de los mejores álbumes del 2017. Estamos muy atentos a todos esos discos muy esperados que se editan próximamente y optan a nuestra lista (y a todas las listas). Pero mientras se editan, en este mes intentaremos recuperar algunos de esos discos que consideramos que deberían estar, y no hablamos de ellos en el momento que vieron la luz.
Ese es el caso de THE NAVIGATOR de HURRAY FOR THE RIFF RAFF que se editó en Marzo de este año y es uno de esos discos que lo tiene absolutamente todo para formar parte de todas esas listas, incluida la nuestra.
HURRAY FOR THE RIFF RAFF es una banda que bebe de las influencias de la música de Nueva Orleans y fusiona folk, Country y Americana. Pero lo más distintivo es la personalidad arrebatadora de su alma mater, Alynda Segarra, una cantante y compositora del Bronx de ascendencia portorriqueña que juega con todos esos estilos y etiquetas sumado a la reivindicación de sus propias raíces latinas, consiguiendo con THE NAVIGATOR uno de los trabajos más auténticos, contundentes y realistas que hemos tenido la suerte de escuchar en años.




Alynda Segarra no es una debutante. HURRAY FOR THE RIFF RAFF lleva en activo desde el 2007 y THE NAVIGATOR es su sexto álbum de estudio y el mejor valorado por la crítica hasta la fecha, con una media de cuatro estrellas sobre cinco, con publicaciones como The Observer que le han otorgado el pleno de las cinco estrellas. Nosotros entendemos perfectamente este entusiasmo por parte de la crítica porque nos encontramos con una mujer que dinamita géneros y estilos muy trillados y consigue hacer algo que suena muy diferente a cualquier cosa que hayáis escuchado antes. El sueño de todos los que nos gusta escribir sobre la música que hacen otros. 
Uno de los cortes más significativos de lo que es THE NAVIGATOR es ese himno titulado Pa'lante que no olvidaréis jamás en cuanto lo hayáis escuchado la primera vez.
El disco está producido por Paul Butler (Guitarrista de The Bees) que ha sabido potenciar aún más, si cabe, el enorme talento de Segarra. 
Es cierto que este disco se aleja un poco de la línea musical de este blog. Y es probable que muchos se sorprendan al leer esta reseña. Sólo decirles que estamos abiertos a otros sonidos y a otras propuestas, siempre que sean tan buenas como esta.



miércoles, 30 de agosto de 2017

PAUL HEATON + JACQUI ABBOTT LOS REYES DEL VERANO BRITÁNICO.


No podíamos terminar el mes de Agosto sin hablar de una de las mayores sorpresas de este verano en el Reino Unido. Se trata de CROOKED CALYPSO de nuestros queridísimos PAUL HEATON & JACQUI ABBOTT, el tercer álbum de estudio de una nueva etapa que comenzó como quien no quiere la cosa con What Have We Become? (2014) y continuó con ese delicioso Guilty Pleasure que fue Wisdom, Laughters and Lines (2015).
Aunque los críticos le han otorgado a los tres álbumes una media de cuatro estrellas sobre cinco, a nosotros nos gustaría diferenciarlos de algún modo sin no decir antes que a pesar de que guardan cierta relación, nunca lo llamaríamos "Trilogía". Porque imaginamos que tardarán un año o dos en editar un cuarto disco que seguirá por los mismos derroteros y convenciendo a la crítica una vez más. 
En cuanto al público, se puede decir que el álbum que más ha gustado de los tres, es precisamente este divertidísimo CROOKED CALYPSO que se colocó entre los primeros puestos de las listas británicas nada más editarse y ha sido uno de los discos del verano en Inglaterra.
Nosotros no podríamos decir todavía si nos gusta tanto o más que What Have We Become? (2014) que era nuestro favorito hasta la fecha. 
En esta ocasión Paul Heaton compuso la música junto a su guitarrista Jonny Lexus en Gran Canaria y luego se retiró a Amsterdam a escribir las letras en solitario. Vocalmente, predomina en el disco la voz de Jacqui Abbott que se vuelve a lucir muchísimo más que Heaton. Y sinceramente, no importa demasiado. Abbott tiene una de las voces más bellas del panorama británico desde la época de Beautiful South. Su protagonismo va en favor de obra. Es un hecho probado que el disco funciona como un reloj suizo. ¿Cual sería la fórmula...? 
Tendríamos que sumar los conocimientos de Heaton sobre la cultura popular británica y su ironía a la hora de escribir las letras, a ese sonido un tanto pasado de moda marca de la casa, que en algunos momentos roza el Guilty Pleasure.
El disco se presenta en una edición normal con doce canciones y otra Deluxe muy completa que incluye cuatro canciones más y un DVD con uno de sus conciertos. Obviamente, la edición Deluxe es unos cinco o seis euros más cara. Pero si os gusta el disco una vez que lo hayáis escuchado en Spotify, igual os merece la pena. Nosotros lo tendremos muy en cuenta en nuestra lista de los mejores álbumes del año. 



viernes, 25 de agosto de 2017

PASSENGER POR PARTIDA DOBLE.


Después de tomarnos diez días de descanso, volvemos con PASSENGER y su nuevo trabajo: THE BOY WHO CRIED WOLF
Esperamos tener más accesibilidad al CD de THE BOY WHO CRIED WOLF en los próximos meses que la que hemos tenido hasta ahora. Porque de momento, se puede conseguir la edición digital para descargas. Los ingleses sí que lo pueden comprar en CD en el portal británico de Amazon. Pero los españoles no. Ya que no lo sirven a España en este caso y en Amazon España no está disponible todavía. Se supone que también se puede comprar en la página oficial del artista y ofrece incluso ediciones en Vinilo (?).
El caso es que está en la calle desde el pasado día 28 de Julio y este que suscribe todavía no ha podido comprar el Cd. 
No es la primera vez que PASSENGER edita en digital y se reserva una discreta edición de pocas unidades en CD y Vinilo. Ya lo hizo con Whispers II (2015). Y no entendemos muy bien por qué no le ha dado más cancha a este nuevo trabajo. Quizás porque es muy prolífico y teme saturar al oyente medio o por las tibias críticas recibidas por su álbum del año pasado. Aún así THE BOY WHO CRIED WOLF ha sido Top5 en las listas británicas, Top6 en Australia y Top11 en USA en la lista de discos independientes del Billboard. Se puede decir que el público todavía no le ha dado la espalda.





Y qué vamos a decir nosotros de THE BOY WHO CRIED WOLF...
No vamos a negar que es lo mismo de siempre (con diferencias muy sutiles que solo aprecia el fan), y con un artista con tanto sello como PASSENGER, mejor que sea así. Por eso, a sus haters este trabajo les irritará exactamente igual que en los tiempos de Let Her Go. Pero hay una buena noticia para los que todavía confían en PASSENGER: Este álbum es bastante menos ambicioso que su trabajo anterior y vuelve a la simplicidad de sus primeros discos. Y podrá gustar más o menos, pero la calidad y el buen hacer se imprime en cada una de las notas de sus bellas canciones. Young As The Morning Old As The Sea (2016) fue un trabajo un tanto irregular. No podemos decir lo mismo de THE BOY WHO CRIED WOLF que es un álbum bastante cohesionado que te atrapa desde el primer corte al último. A nosotros nos ha gustado más.


En esta y en otras reseñas anteriores sobre PASSENGER hemos hecho alusión a su prolífica carrera, y en el 2017 no solamente ha editado THE BOY WHO CRIED WOLF, casi a la vez nos sorprendió con SUNDAY NIGHT SESSIONS -También se puede conseguir mediante descargas- un álbum en el que recopilaba todos los covers que alguna vez ha tocado en directo. Una revisión de auténticas joyas musicales como Hotel California de Eagles, Fast Car de Tracy Chapman, Losing My Religion de R.E.M. o Space Oddity de David Bowie, entre otras muchas, cuyo resultado final ha quedado bastante audible.



martes, 15 de agosto de 2017

ELLAS 3ª PARTE: NUESTRO TRIBUTO A LA MUJER EN LA MÚSICA.



Hoy os presentamos ELLAS 3ª PARTE. Cuando comenzamos con la playlist de ELLAS, realmente nunca pensamos que acabaría convirtiéndose en una colección. Pero son tantísimas mujeres interesantes en la historia de la música, que cada vez que terminas de seleccionar las 32 ó 33 canciones de la nueva playlist, ya estás pensando en la siguiente.

Esperamos que os guste.

MIDAS

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RECAPITULEMOS...

OTRAS PLAYLISTS DISPONIBLES:











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jueves, 10 de agosto de 2017

DECLAN McKENNA: HONESTIDAD Y SINCERIDAD.


Cuando conocimos los candidatos del BBC Sounds Of 2017 no tardamos en fijarnos en DECLAN McKENNA un joven de dieciocho años con bastante más futuro en la música que otros candidatos mejor posicionados que él en aquella lista. McKenna llevaba casi dos años publicando canciones que recogió en dos Eps y había conseguido llamar la atención del público y la crítica británica. Por fin ha salido a la venta WHAT DO YOU THINK ABOUT THE CAR? su álbum debut. Un disco (y un artista) del que vamos a escuchar hablar muchísimo en lo que queda de año.
La seña de identidad de DECLAN McKENNA sería probablemente la honestidad y la sinceridad. Sus canciones han sido etiquetadas como canciones protesta y habla de temas tan dispares como la corrupción en el Fútbol (Brazil), los derechos LGTB (Paracetamol), el racismo (Isombard) o la Religión (Bethlehem) y aunque hable de todo eso desde una perspectiva ajena en algunos casos, son temas lo suficientemente importantes para él como para sentir que tiene que implicarse en ellos de alguna manera. 
Musicalmente, McKenna es un cachorro del Brit Pop. Aunque sus influencias confesas vayan desde Abba hasta David Bowie pasando por Ben E King y Damon Albarn. Cuando escuchas este trabajo del primer al último corte encuentras lo mejor del Brit Pop de todos los tiempos.


También podría decirse que pertenece a esa hornada de jóvenes intérpretes y compositores británicos como Jake Bugg, Tom Odell o James Bay que están demostrando que el rol del ídolo teen, dirigido solamente a un público teen y marcado por la comercialidad de sus discos, no va con ellos. Porque su música está interesando también a un público adulto.
Cuando escuchas WHAT DO YOU THINK ABOUT THE CAR? lo que menos te imaginas es que su responsable tiene dieciocho años y que Braziluno de sus temas más conocidos, lo compuso con quince. No hablaremos de madurez porque obviamente a esas edades no se puede ser maduro, pero musicalmente tiene un camino recorrido que ya quisieran muchos de treinta.



En cuanto a la producción del disco tenemos a James Ford (Arctic Monkeys), Max Marlow y un muy reconocible Rostam Batmanglij que para quien no lo sepa es uno de los miembros fundadores de Vampire Weekend y hay muchos sonidos en este trabajo que nos evocan a Vampire Weekend.
En cuanto a la crítica... Parece ser que el disco ha gustado, obteniendo una media de cuatro estrellas sobre cinco, aunque os recordamos que salió a la venta el 21 del pasado mes de Julio y todavía hay muchos críticos que no han opinado.
A nosotros nos ha parecido un gran disco. La profesionalidad de Declan Mckenna nos transmitió muchísima confianza desde el principio y nunca tuvimos la sensación de que estuviésemos escuchando un disco de un debutante de dieciocho años. Por eso auguramos un gran futuro a este chico que dice y canta siempre lo que piensa; y esperamos vivir lo suficiente para ver como transcurre su carrera. Porque si es capaz de darnos un discazo como este a tan tierna edad... ¿Qué no nos dará en diez o veinte años?



lunes, 7 de agosto de 2017

ARCADE FIRE: CUANDO LA MÚSICA SE PIENSA.


Si hay una cosa que ha quedado clara en la trayectoria de ARCADE FIRE de estos últimos años es que es una banda que asume riesgos. Nunca van a hacer un álbum para salir del paso, con la única finalidad de que no nos olvidemos de ellos, o un simple disco alimenticio. La prueba es este EVERYTHING NOW. Un álbum que está gustando e irritando a partes iguales. 
Para los que nos dedicamos a escribir sobre álbumes, EVERYTHING NOW es todo un bombón para reseñarlo. Porque mezcla inteligentemente bastantes géneros y referentes. Descubres algo nuevo en cada escucha. Aunque nosotros ya hemos terminado nuestros deberes con Arcade Fire:
Por un lado tenemos un poco de Country Alternativo, Rock, algo de Ska incluso... y, por el otro, podemos encontrar mayoritariamente la tendencia de moda de revitalizar la música New Wave de los ochenta en algunos cortes como es el caso de Everything Now, el grandilocuente single de presentación que da título al álbum. Un tema que podría haber sido compuesto en 1979 y que recuerda a una descarada mezcla entre Abba y Simple Minds. A nosotros nos ha parecido un auténtico temazo. Pero nos consta que un sector del público habitual de la banda se rasgó las vestiduras tras su publicación.
  



Y entre los críticos también hay diversidad de opinión. Si NME y The Independent han otorgado las cinco estrellas sobre cinco, The Guardian y The New York Times han sentenciado que EVERYTHING NOW no es merecedor de más de tres estrellas -La puntuación de la mediocridad-
A nosotros, ARCADE FIRE es una banda que nos apasiona. Comprendemos que tienen muchísima presión encima por lo muchísimo que se espera de ellos en cada momento. Y eso es algo que condiciona mucho el material que nos ofrecen. Pero echamos en falta discos menos rebuscados como The Suburbs (2010) en el que la música simplemente fluía. Ya en Reflektor (2013) se notaba que sus composiciones estaban muy pensadas para sorprendernos con aquello de la "Conexión Haitiana" que se sacaron del bolsillo y a más de uno nos dejó muy fríos. 
EVERYTHING NOW es bastante mejor que Reflektor (2013) pero no es el mejor disco de Arcade Fire, tampoco es de los mejores discos de lo que llevamos de año. Es uno de los buenos e importantes de la temporada. Pero pondríamos por delante unos quince o veinte álbumes de los que hemos hablado aquí antes. Y por supuesto que no es un disco mediocre.
Para una banda que ha sido catalogada como el futuro de la música, y después de ver las reacciones que ha generado este trabajo, se puede decir que el palo crítico que se avecinaba ha sido minimizado. Porque los cuchillos estaban levantados y muy afilados. Nosotros pensábamos que iba a ser una auténtica masacre. Y exceptuando algunas puntuaciones bajas, el resto ha sido muy favorable. En cualquier caso, dejémoslo reposar, y ya veremos si en Diciembre seguimos o no hablando de EVERYTHING NOW. En cualquier caso, tenemos la intuición de que en unos años se va a convertir en un disco de culto y va a ser muy reivindicado. Porque la gente también necesita tiempo para digerir ciertos cambios.








jueves, 3 de agosto de 2017

LANA DEL REY: AMOR U ODIO, NUNCA INDIFERENCIA.



No hablábamos de LANA DEL REY desde Born To Die (2012). Nos saltamos deliberadamente el oscurísimo Ultraviolence (2014) y reconocemos que debimos reseñar en su día Honeymoon (2015) porque tenía momentos realmente brillantes. Pero ese año había otros discos mejores que reseñar. 
Hoy hablamos de LUST FOR LIFE y nosotros ya le hemos perdonado a Lana del Rey que fuera uno de los mayores Hypes de la historia musical reciente, porque tiene muchísimas más tablas que cuando hablamos de ella por primera vez. Pero tenemos que ser coherentes y decir que también estamos hablando de ella porque muchos de sus fans nos leen y nos lo han pedido. Porque si hay que reconocerle una cosa a LANA DEL REY es que o la amas o la odias, y nunca lo haces a medias. Cuando la amas o la odias, lo haces con muchísima intensidad. A muy poca gente deja indiferente. Y nosotros tenemos con ella una relación de amor-odio (simultáneo) un tanto extraña.
Cuando se habló de LUST FOR LIFE durante su gestación se dijo que "era un disco pensado para complacer a los fans". ¡Cómo si los discos anteriores no lo hubieran sido también! Así que ni nos sacó de nuestra duda, ni generó falsas expectativas en nosotros. Por eso, después de escucharlo no nos ha sorprendido en absoluto. Tenemos a la misma Lana de siempre. Eso sí, rodeada de buenísimos productores -Nada menos que catorce- y con colaboraciones de auténtico lujo: The Weeknd y Stevie Nicks por citar dos de nuestras favoritas. Y es que por si no había quedado claro anteriormente, Lana del Rey más que una cantante y compositora, es una estrella. Y esta reseña se está escribiendo atendiendo ese criterio. Porque nunca hablaríamos en el mismo tono de Joni Mitchell que de Barbra Streisand.




Hemos estado mirando la puntuación de los críticos para LUST FOR LIFE y la media viene a ser de cuatro estrellas sobre cinco. Pero ¡Oh Sorpresa! se nos ha ocurrido mirar también cómo puntuaron en su día a Ultraviolence (2014) y Honeymoon (2015) y los tres discos tienen exactamente la misma puntuación. A eso le llamamos ser consecuentes, una virtud que muchos críticos no poseen. Porque lo que nos ofrece Lana del Rey esta vez es lo mismo de siempre y debería puntuarse igual que siempre. Y eso es lo que han hecho. Quizás este disco es mucho más ambicioso que Honeymoon (2015) que era prácticamente minimalista y que todos sus discos anteriores. Pero es la misma fórmula y está visto que funciona. Porque (casi) no nos cansamos de ella y los críticos tampoco. Porque si estuvieran cansados habría bajado el baremo.
Imaginamos que tenéis la sensación de que estamos concluyendo esta entrada sin decir si nos ha gustado el disco o no, y no estamos escurriendo el bulto. Realmente poco importa nuestra opinión cuando se trata de alguien como Lana del Rey, sus fans van a seguir amándola y sus haters odiándola. Pero por si a alguien le interesa, que no se diga que aquí no nos mojamos: Para Exquisiteces, LUST FOR LIFE sería el segundo mejor álbum de Lana Del Rey de su discografía. El primero sería Honeymoon (2015), el tercero: Born To Die (2012) y el cuarto: Ultraviolence (2014). Porque de su álbum homónimo del 2010 Lana Del Rey Aka Lizzie Grant, mejor no hablar.


lunes, 31 de julio de 2017

LUCY ROSE Y EL DISCO QUE ESPERÁBAMOS...


Muy discreta, casi de puntillas... Así ha sido la irrupción de SOMETHING'S CHANGING, el tercer álbum de estudio de LUCY ROSE un álbum en el que recuperamos la pureza de su álbum debut. Ya comentamos cuando reseñamos Work It Out (2015), su segundo trabajo, que era un disco con una producción mucho más ambiciosa y que contaba con más medios que su álbum debut. Pero que la voz de Lucy Rose no necesitaba grandes artificios, algunos de los temas estaban sobre-producidos y funcionaban mucho mejor en sus performances en acústico que en la grabación original. Aún así, Work It Out (2015) fue un gran disco en su año de producción. Pero esta vez, se ha eliminado todo lo innecesario y el resultado obtenido ha sido el mejor disco de la carrera de LUCY ROSE.




El primer gran acierto ha sido contar con el productor Tim Bidwell que no solamente ha sabido continuar justo donde Charlie Hugal se quedó en Like I Used To (2012). Es que ha recuperado y mejorado el universo que se creó con aquel álbum. También se ha contado con el excelente mezclador Neil Pickles y con Adam Jeffrey como productor adicional para cuatro de los cortes del disco. Y en los créditos de colaboraciones nos encontramos viejos amigos como: Elena Tonra de Daughter, Marcus Hamblett de Bear’s Den y Emma Gatrill de Matthew and The Atlas aunque el plato fuerte son las armonías vocales de The Staves en dos de los cortes. El álbum se grabó en tan solo 17 días en los estudios de Bidwell.




LUCY ROSE ha estado de gira por Latinoamérica, donde tiene muchísimos fans -Y dónde EXQUISITECES también los tiene- y compositivamente, este disco es en cierto sentido el feed-back inspirador de esas giras que tanto han realizado a Rose como artista. De hecho, ese "Algo está cambiando" del título tiene mucho que ver con lo que ha experimentado con su gira latinoamericana.
Cómo decíamos al principio, la irrupción de este disco ha sido muy discreta y lleva un par de semanas en el mercado, por lo que la prensa especializada solamente ha escrito unas nueve críticas, de las cuales cuatro son muy buenas y las otras cinco favorables, pero un tanto tibias. En cualquier caso, faltan muchos otros medios que aún no se han pronunciado y todavía no se ha dicho todo lo que se tenía que decir sobre este álbum.
Para nosotros es uno de esos discos intimistas que regalaríamos a personas que nos importan de verdad, de esas que queremos conservar en nuestras vidas. Algo que es mucho más importante que un valor numérico o cuatro o cinco estrellas. En diciembre comprobaréis dónde se ha posicionado este SOMETHING'S CHANGING en nuestra lista de los mejores álbumes del año. Porque no os quepa la menor duda de que estará.


jueves, 27 de julio de 2017

OFFA REX = THE DECEMBERISTS + OLIVIA CHANEY + TUCKER MARTINE


Estamos ante uno de esos álbumes importantes que nos encanta presentar en primicia, porque somos muy conscientes de que si en los blogs musicales no explicamos bien quienes están detrás de un álbum como THE QUEEN OF HEART de OFFA REX probablemente pase desapercibido. Así que tomad buena nota... 
OFFA REX es un proyecto musical que une a la cantante y compositora multiinstrumentista Olivia Chaney con The Decemberists, está producido por el gran Tucker Martine y Colin Meloy (The Decemberists) y grabado en el estudio de Tucker Martine en Portland. 
Ante tales credenciales, no tienes más opciones que ir a tu proveedor favorito y pulsar el botón para enviarlo a la cesta de la compra, sin escucharlo. Pero es que nosotros ya lo hemos escuchado y podemos decir es una auténtica maravilla. Otro de esos álbumes imprescindibles que no nos deben faltar si pretendemos tener una buena colección de discos en casa.



Lo que nos vamos a encontrar es una carta de amor a la música tradicional británica, escocesa e irlandesa. De hecho, el primer corte nos ha recordado un poco a Clannad. Pero hay mucho más que simple folklore. Porque a pesar de tratarse de un repertorio clásico-tradicional, Tucker Martine nos ha regalado una producción que coquetea con la psicodelia y el folk rock, que no solamente no ha travestido esas canciones tradicionales, es que ha conseguido otorgarles alma, corazón y muchísima verdad. Porque lo mejor de OFFA REX es la impronta de todos estos monstruos (Chaney-Meloy-Martine) que convierte a THE QUEEN OF THE HEARTS en uno de esos trabajos únicos.
Que nadie se piense que se va a topar con uno de esos discos aburridos de música tradicional que acaban sonando en el hilo musical de un ascensor. Porque THE QUEEN OF HEART de OFFA REX alcanza momentos de magia pura.
Os recordamos que Tucker Martine fue el responsable de dos de nuestros discos preferidos del año pasado: Love Letter for Fire de Sam Beam & Jesca Hoop y el maravilloso Case/Lang/Veirs que unía a tres grandes como Neko Case, Kd Lang y Laura Veirs.
Todo un regalo para todos aquellos que habían perdido la esperanza en la buena música.







martes, 25 de julio de 2017

OH WONDER: ESTA VEZ, SÍ.


Detrás de OH WONDER nos encontramos con Josephine Vander Gutch y Anthony West, dos jóvenes músicos, intérpretes y compositores que debutaron hace dos años con su disco homónimo que fue un Hype en toda regla; desde la manera tan original de gestarlo -escribieron y publicaron una canción cada mes y no editaron el álbum hasta que se dieron a conocer todas las canciones y pasó un año- hasta el entusiasmo que generaron en blogs y algunas publicaciones indies. Nosotros lo miramos con cierto escepticismo entonces y lo pusimos en cuarentena, a pesar de que nos pareció bastante mejor de lo que la crítica dijo en su momento. Ya que The Guardian les otorgó dos míseras estrellas. 
Os contamos estos antecedentes porque son útiles para situarnos en el presente. Pero todo eso ya es pasado. Este mismo mes han editado su segundo álbum ULTRALIFE y ha gustado muchísimo más que su álbum debut. Los críticos no bajan de las cuatro estrellas y nosotros ya le hemos retirado la cuarentena y podemos decir a voz en grito que este trabajo nos encanta.



El estilo de OH WONDER está adscrito al synthpop o electropop. También hemos leído que han sido etiquetados como R&B alternativo. Se nos ocurre que si les han encasquetado esa etiqueta es porque deben haber sido muy comparados con otro dúo británico con el que coincidieron en el momento de irrumpir en la música: AlunaGeorge, que si que están bastante más introducidos en el R&B alternativo que OH WONDER. Nosotros no estamos nada de acuerdo con esa etiqueta. Pero la recogemos por si lo leéis en otras reseñas.
Las canciones de este trabajo son muy agradables, las voces de Josephine y Anthony suenan al unísono, perfectamente empastadas como si se tratara de una sola voz. Quizás deberían jugar más con armonías vocales algo más variadas. Pero, de momento, el resultado es bastante óptimo porque el disco no se hace monótono. Todo lo contrario, desprende muchísima frescura y, a ratos, resulta bastante naíf. 



ULTRALIFE de OH WONDER también ha gustado al público ya que ha conseguido muy buenas posiciones en diferentes listas alternativas de diferentes países, en muchos de ellos ha superado los resultados obtenidos con su álbum debut. 
Oficialmente han dejado de ser una promesa o un Hype para convertirse en una realidad. Habrá que seguirlos muy de cerca para ver como evolucionan. Probablemente en el futuro intercalarán discos de OH WONDER con algún disco en solitario o involucrados en otros proyectos musicales. Aquí hay verdadero talento para eso y mucho más.
Nosotros recomendamos encarecidamente ULTRALIFE de OH WONDER, incluso también recomendamos su álbum debut homónimo que, a toro pasado, es bastante mejor de lo que los críticos dijeron en su día.




jueves, 20 de julio de 2017

NUESTRA TERCERA PLAYLIST...


Ya iba tocando NUESTRA TERCERA PLAYLIST de SPOTIFY con todas las novedades que reseñamos en EXQUISITECES, normalmente suelen contener un máximo de 20 canciones, pero esta vez hemos tardado un poco más desde la segunda y nos ha salido una con 30 canciones.
Esperamos que os guste. A pesar de la diversidad musical y el eclecticismo, pensamos que no nos ha quedado mal del todo. Vosotros tenéis la palabra...

El Enlace de Exquisiteces:


El Enlace de esta Playlist:







RECAPITULEMOS... 
OTRAS PLAYLISTS DISPONIBLES:



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martes, 18 de julio de 2017

HAIM TIENEN ALGO QUE DECIRNOS...


El trío de hermanas HAIM fue la gran sorpresa del 2013, recuerdo que cuando ganaron el BBC Sound of de ese año, con tan solo un Ep nos sentimos un tanto desconcertados y así lo hicimos saber en dos entradas que llegamos a escribir sobre ellas: 1) 2). Finalmente, caímos absolutamente rendidos y Days Are Gone (2013) se convirtió en uno de nuestros discos preferidos que hemos seguido escuchado hasta hace bien poco. 
En estos días por fin se ha publicado SOMETHING TO TELL YOU, el segundo y esperadísimo álbum de la banda que, de entrada, nos va a proporcionar un poco más información sobre el futuro de estas chicas en la música. Si su irrupción en el panorama y su éxito se produjeron por casualidad o si todo se debe a las tablas y al gran talento que poseen.
Para comenzar, tenemos que admitir que HAIM fueron de las primeras que marcaron tendencia recuperando sonidos de los 80 y ha abierto puertas a bandas nuevas como MUNA
En el 2013 no habían tantas bandas que se hubieran subido al carro del revival de los 80 y la música New Wave. Los que nos seguís habitualmente, os habréis dado cuenta que últimamente cada semana hablamos de una banda nueva que reivindica estos sonidos o bien de otras bandas que llevan más tiempo y que han dado un nuevo giro (puntual) subiéndose a este mismo carro. 



Sobre lo que vamos a encontrar en este segundo álbum y si es mejor que el primero, que es lo que todo el mundo se está preguntando. Pues podríamos decir que es bastante similar y que no han bajado ni subido el listón un milímetro. 
Las influencias siguen siendo exactamente las mismas y la sombra de Fleetwood Mac sigue estando muy presente. Tenemos la sensación de que SOMETHING TO TELL YOU ha gustado un poco menos a la crítica que el álbum anterior. Quizás porque precisamente y cómo acabamos de comentar, cada semana hay una banda que presenta un disco con reminiscencias ochenteras y tampoco existen grandes novedades entre este nuevo trabajo y el universo que crearon con Days Are Gone (2013).
Eso no quiere decir que estemos ante un mal álbum. De hecho, las críticas han sido mayoritariamente positivas, a pesar de haber gustado más el álbum debut. 



Absolutamente todas las canciones están perfectamente construidas. Porque es ante todo, un disco de muy buenas canciones. Y eso es algo que se irá viendo cuando se desgranen tantos singles como ocurrió con Days Are Gone.
Realmente, creemos que es un error dar una valoración sobre este nuevo trabajo ahora mismo. Porque es demasiado pronto y este es un trabajo de largo recorrido, de esos que el boca-oreja hace que tenga una carrera comercial lenta, pero segura. Se asentará con el tiempo, demostrándonos a todos que es un disco mucho más importante de lo que se ha dicho en un principio.
La producción corre a cargo de las propias hermanas HAIM -Un prodigio de producción, una vez más- y además se ha contado con productores de la talla de Ariel Rechtshaid o BloodPop por citar a dos de los cuatro. Nosotros lo recomendamos encarecidamente a los Fans de HAIM, a los que disfrutaron con Days Are Gone (2013) y a los que se estén enganchando a los sonidos retro de la música de los 80 y encuentren a estas chicas las sustitutas perfectas de Bangles o Wilson Phillips.


viernes, 14 de julio de 2017

CHRIS STAPLETON SIGUE MEJORANDO EL COUNTRY.


En el 2015 CHRIS STAPLETON publicó Travellers, su álbum debut que acabó en el puesto Nº5 de nuestra lista de los mejores álbumes de su edición y estuvo nominado a mejor álbum del año en los Grammy. Recuerdo que celebramos muchísimo la irrupción de Chris Stapleton al que recibíamos como un nuevo mesías que pondría el Country patas arriba como hizo Garth Brooks en los 90. Desde luego, que su vocación era bastante renovadora y revitalizadora pero todavía no se puede comparar con lo que supuso la figura de Brooks para el Country americano. Es demasiado pronto. Quizás con dos discos más y con la ayuda del inmenso Sturgill Simpson, que también lo hemos recibido como otro nuevo mesías, consigan revolucionar el Country y ponerlo en lo más alto de nuevo. Lo que está claro es que gracias a Stapleton y Simpson existe vida en un género que últimamente sonaba muy trillado cuando eran otros los que deambulaban por él.
FROM A ROOM: VOLUME 1 es el segundo álbum de estudio de Stapleton y marca su segunda colaboración con el productor Dave Cobb, con el que grabó Travellers.




Nuestra única objeción es que Chris Stapleton se suma a la nueva moda de discos con tan solo 9 cortes. Eso sí... ¡Vaya 9 cortes! El título del álbum hace referencia al estudio de grabación de RCA en Nashville y lo de "Volumen 1" te invita a pensar que va a tener una segunda parte. Pero, de momento, nadie lo ha confirmado.
En cuanto al disco, es una perfecta continuación de Travellers y Stapleton sigue jugando con géneros y estilos como Country, Blues o Rock.
Si cogemos por ejemplo el corte Broken Halos nos vamos a encontrar con una canción multigénero que mezcla el country rock de medio tiempo con el Folk Rock y así podemos continuar con Second One To Know que es una canción Country y Blues Rock con influencias de Rocn 'n' Roll que incluye riffs de guitarra eléctrica. Todo el disco es una ecuación matemática de géneros que encajan inteligentemente. Aunque para primer single han elegido Either Way, una balada acústica sobre el final de una relación. Obviamente, una historia con la que se suele identificar muchísima gente.
Por cierto, a Chris Stapleton siempre le acompaña su esposa, Morgana Hayes-Stapleton cuya voz suena tan bien en los coros como siempre, aunque tenía mucho más protagonismo en Travellers. Nosotros recomendamos este álbum encarecidamente porque es sinónimo de calidad y buen hacer. Y esperamos que consiga unas cuantas candidaturas a los premios Grammy de este año.



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